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スコッチのボトルを裏返すと、たいてい小さな字で樽のことが書いてある。「Oloroso sherry casks」「Matured in European oak」——そのひとことで、グラスの中の甘さがどこから来たのかが決まる。シェリー樽という言葉は便利だが、便利すぎて中身が見えなくなっている言葉でもある。 同じ「シェリー樽熟成の12年もの」でも、樽に染み込ませた酒精強化ワインがオロロソなのかペドロヒメネスなのか、樽材が欧州オークなのか米国オークなのか、全量をシェリー樽で寝かせたのか途中まではバーボン樽だったのか。この三つの条件が違えば、出てくる甘さの質はまるで別物になる。片方はドライで渋みのある干し果実、もう片方はべったりしたレーズンシロップ、という具合に。 そしていま、この領域は静かに値上がりしている。シェリー樽はもう自然に余るものではなく、蒸溜所が金を出して注文する部品になった。1万円前後の棚からこの違いを飲み分けられる12年ものが選べる時間は、そう長くないかもしれない。ここでは条件の違う5本を軸に、樽が持ち込む甘さの正体を整理する。 1980年代、シェリー樽は余り物から注文品になった ヘレス・デ・ラ・フロンテーラ、ゴンサレス・ビアス社のボデガPhoto: Michimaya / CC BY-SA 3.0 いま流通しているシェリー樽と、半世紀前のシェリー樽は、そもそも成り立ちが違う。かつてスペインのヘレスからイギリスへ運ばれるシェリーは、樽に詰められたまま船に乗っていた。到着先で瓶詰めされると、空になった樽が港に大量に余る。それを安く買い取ってウイスキーを詰めたのが、古いシェリー樽熟成の実態だった。狙って作らせたものではなく、物流の副産物だったわけだ。 この流れが細ったのが1980年代である。シェリーは産地の指定地域の中で瓶詰めしなければならない、という方向へ規則が改められ、樽のままの輸出は成り立たなくなっていった。港に余る空樽は消え、蒸溜所は困った。そこで広がったのが、いま「シェリー樽」と呼ばれているものの正体——ヘレスの樽工房に注文して新しい樽を組ませ、そこにシェリーをわざわざ入れて一定期間置き、木に味を移してからスコットランドへ送らせるという方式だ。業界ではシーズニングと呼ばれる。 この注文樽は、偶然の余り物より条件を細かく指定できる。木は欧州オークか、米国オークか。入れる酒精強化ワインはオロロソか、ペドロヒメネスか。寝かせる期間は1年から3年ほどが一般的で、2015年からはヘレスの規制委員会が「シェリー樽」を名乗るための基準を設け、産地の本物のシェリーを容量の3分の2以上入れたまま、最低1年置くことを条件にしている。注文主からすれば望みどおりの樽が手に入るが、言い換えれば、樽の値段には樽代とシーズニング期間の寝かせ代が丸ごと乗る。シェリー樽の値段はバーボン樽の数倍とも言われ、シェリー樽ものの値札が高めなのはこの構造から来ている。 面白いのは、木に染み込むシェリーの量が意外に多いということ。大きなシェリー樽になると、壁の中に十数リットルもの酒が吸われていると言われる。だから樽の中で起きているのは「シェリーの香りが移る」という単純な話ではない。木そのものの成分がシェリーに浸されて変質し、そこにウイスキーが入って長い時間をかけて呼吸する——この重なりがあの濃い甘さと渋みを生む。シェリーをウイスキーに後から混ぜても同じ味にならないのは、そういう理由だ。 オロロソは渋くて乾いた甘さ、ペドロヒメネスはシロップの甘さ モリレスに広がるペドロヒメネス種の畑Photo: Juan R. Lascorz / CC BY-SA 4.0 樽に入れるシェリーの種類が、出てくる甘さの質をほぼ決めている。ここは押さえておくと、ラベルの読み方が一気に変わるところだ。 オロロソは、酒精強化したあと樽の中で酸素に触れさせながら長く寝かせた辛口のシェリーである。甘さは糖分ではなく熟成由来で、クルミやヘーゼルナッツのような香ばしさ、いちじく、シナモンやクローヴの気配が立つ。この樽でウイスキーを寝かせると、甘さは控えめなまま、渋み・革・乾いたスパイスの層が重なってくる。飲み口に骨格ができる、という言い方がしっくりくる。長期熟成に向くのもこのタイプで、12年前後から20年を超えるものまで、オロロソ樽が主役になっているボトルは多い。 ペドロヒメネスはまったく別物だ。同名のブドウを収穫後に日干しして糖度を上げてから仕込むため、出来上がったワインはねっとりと黒く、レーズンやデーツ、砂糖漬けの果実そのものの甘さになる。これを染み込ませた樽にウイスキーを入れると、甘さが一気に前へ出る。レーズン、黒糖、蜜をまとったいちじく。口当たりに粘りが出て、余韻も長くなる。ただし主張が強いぶん、長く置くと樽の味だけが勝ってしまいやすい。そのため仕上げの数か月だけペドロヒメネス樽に移して甘さを足す「フィニッシュ」という使い方も広く行われている。 もうひとつの軸が樽材である。欧州オークは渋みの元になるタンニンが米国オークの数倍とも言われ、樹脂っぽさ、クローヴ、干し果実を持ち込む。米国オークはもっと穏やかで、バニラ、ココナッツ、柑橘のような甘く明るい香りを出す。同じオロロソを染み込ませても、欧州オークの樽と米国オークの樽ではまるで違う顔になるわけだ。しかも、どちらの樽材でも一度ウイスキーを詰めると木の成分が減っていくので、初めてウイスキーを入れるファーストフィルと、二回目・三回目のリフィルでは濃さが段違いになる。ラベルに「first-fill」と書いてあるかどうかは、値段差を納得するための手がかりになる。 ここまでを頭に置くと、ボトルの背面の短い説明文がかなり雄弁に見えてくる。以下の5本は、この条件の組み合わせがそれぞれ違う。並べ方は、シェリー樽の比重が大きいものから、バーボン樽との組み合わせで甘さを作るものへ。評価は、甘さの濃さ・シェリー樽らしさ・複雑さ・コストパフォーマンス・入手性という5つの軸で整理した。 グレンドロナック 12年 — ペドロヒメネスとオロロソを重ねた濃い甘さ グレンドロナックの定番4本。左端の赤いラベルが12年Photo: Thanhtour / CC BY 3.0 / Amazonで見る → シェリー樽のスコッチと聞いて、まず名前が挙がるのがこの蒸溜所だと思う。アバディーンシャーのフォーグ村、ハントリーの近くにあるハイランドの蒸溜所で、創業は1826年。いまはブラウン・フォーマンの傘下にあり、定番の顔ぶれはほぼすべてシェリー樽熟成という、はっきりした方針を持っている。 12年は「オリジナル」とも呼ばれる入口の1本で、ペドロヒメネスの樽とオロロソの樽、両方で熟成させた原酒を合わせている。バーボン樽は使っていない。度数は43%。ここまでの話でいえば、シロップの甘さと乾いた渋み、その両方を最初から抱き合わせにした設計だ。 グラスに注ぐと、色は赤みのある深い琥珀。香りは干しぶどう、ジンジャーブレッド、プラリネのようなナッツとチョコレート。口に含むと、煮詰めたブラックベリーとオレンジの皮、サルタナの甘さが前に出て、そのあとに温かいスパイスが広がる。ペドロヒメネス由来の粘りがあるぶん、40%台前半とは思えない厚みを感じた。 気になるのは値段の動きで、ここ数年でじわじわ上がっている。それでも「シェリー樽の甘さとはこういうものだ」という基準点をひとつ持つなら、この1本がいちばん分かりやすいと思う。5本のなかで甘さの濃さとシェリー樽らしさは文句なしに一番だった。 甘さの濃さ：5 / シェリー樽らしさ：5 / 複雑さ：4 / コスパ：3 / 入手性：4 タムデュー 12年 — 全量オロロソ樽、静かに濃いスペイサイド タムデュー蒸溜所の壁際に並ぶ樽Photo: Richard Webb / CC BY-SA 2.0 / Amazonで見る → スペイサイドのノッカンドー近くにあるタムデューは、一度止まった蒸溜所だ。2010年に操業を休止し、翌年イアン・マクロード社が買い取って2012年に蒸溜を再開した。この復活のときに打ち出したのが、熟成はすべてシェリー樽で行う、という方針である。 ...

宅録を始めたいという話になると、たいてい最初に出てくるのはマイクの名前だ。気持ちはよく分かる。音を拾う道具なのだから、そこが音質を決めていそうに見える。ただ、6畳の部屋に10万円という条件で並べ直してみると、マイクが先頭に来ることはまずない。先に手を打たないと取り返しがつかない場所が、マイクより手前に2つある。 この記事では、限られた予算をどの順番で割り振るかという話を、機材の選び方だけでなく、部屋の寸法が作る物理的な制約と、机をどこに置くかまで含めて整理していく。なお挙げる価格は2026年10月時点の実勢で、為替と在庫でよく動く。細かい数字より、どれとどれが同じ桁なのかという関係のほうを見てほしい。 10万円という予算の輪郭 最小構成の録音机。足りないものを数えるより、何が要らないかを決めるほうが早い Photo: Subhashish Panigrahi / CC BY-SA 4.0 10万円は、宅録の予算としては中途半端な額だと思う。全部をそこそこの品質で揃えるには足りないし、一点豪華主義でマイクだけを良くしても、その音を受け止める側が貧弱なら意味がない。だから配分を決める作業そのものが、この予算帯の本体になる。 必要なものを機能で数えると、パソコンに音を入れる経路、出てきた音を判断する手段、音を拾う道具、それらを物理的に支える小物、そして部屋そのもの、の5つになる。このうち小物までの4つで7万円から8万円、残りを部屋に回す、というのが現実的な線だ。この順番にしたのには理由があって、上から順に「無いと録音が成立しない度合い」と「後から買い替えると損をする度合い」が高くなっている。 逆に言えば、この5つの外にあるもの——プラグイン、MIDIキーボード、スピーカー——は最初の10万円には入れないほうがいい。どれも後から足せるし、足しても手持ちの環境が無駄にならない。特にスピーカーは、後で触れる理由から、6畳の未処理の部屋では投資効率が極端に悪くなる。 1番目、オーディオインターフェイス インターフェイスにマイクとヘッドホンを足したセット売り。入口を1本通すのに必要なものがここに揃う Photo: Matt Vanacoro / CC BY 2.0 最初に押さえるのはオーディオインターフェイスだ。マイクをパソコンに繋ぐための箱、と言ってしまえばそれまでだが、この箱が持っている機能は想像より多い。マイクを動かすためのファンタム電源、小さな信号を扱える大きさまで持ち上げるプリアンプ、アナログをデジタルに変換する部分、そして録音中の自分の声を遅れなく返すダイレクトモニタリング。どれか一つでも欠けると、録音という作業が成立しないか、成立しても気持ちよく進まない。 入門価格帯は2万円台から4万円台にかたまっている。Focusrite Scarlett 2i2（第4世代）が2万8千円台、Audient iD4 MkII が2万5千円から2万8千円あたり、MOTU M2 が3万6千円前後、SSL 2+ MkII が4万6千円前後。もう少し安く済ませたいなら、入力が1系統の Scarlett Solo が2万円前後まで下がる。歌を録るだけなら入力は1系統で足りるので、ここで数千円浮かせて他に回すのは賢い判断だと思う。 ヤマハ系を考えている場合は型番に注意が要る。Steinberg の UR22C は2025年10月にハードウェア部門がヤマハブランドへ移り、現行は URX22C という名前になった。Steinberg はソフトウェア専業になったので、いま「Steinberg のインターフェイス」を探すと旧モデルの在庫に当たることになる。新しい URX 系は DSP ミキサーを内蔵していて、配信を視野に入れるならこの機能が効いてくる。 入門機で見るべき点は4つに絞れる。マイク入力が何系統あるか、ファンタム電源が載っているか、USB バスパワーで動くか、そしてループバックがあるか。ループバックはパソコンで鳴っている音を録音側に送り返す機能で、配信や実況をやるなら必須に近い。MOTU M2 や SSL 2+ MkII は最初から備えている。逆に、サンプリングレートが192kHzまで対応しているかどうかは、この予算帯ではほぼ気にしなくていい。 2番目、ヘッドホン MDR-7506。カールコードと折りたたみ機構は録音現場の都合に合わせた設計になっている Photo: Ashley Pomeroy / CC BY 4.0 2番目にヘッドホンを置くのは、6畳という条件があるからだ。スピーカーで音を聴くという行為は、スピーカーから直接届く音と、壁や天井で跳ね返ってきた音を、まとめて耳に入れることを意味している。狭い部屋ほど跳ね返りが早く強く戻ってくるので、鳴っている音とは違う音を聴きながら判断することになる。ヘッドホンはこの経路を丸ごと省略してくれる。 ...

ジャズを聴こうと思い立った人がまず手に入れるのは、たいてい名盤のリストだ。五十枚なり百枚なりが時代順に並んでいて、解説が付いている。一枚目をかけて、最後まで通して、「悪くなかった」と思う。二枚目も同じように聴いて、やはり「悪くなかった」と思う。そして三枚目あたりで、なんとなく再生しなくなる。 これは根気の問題ではないと思っている。聴く前に「今日は何を聴き取るのか」を決めていないだけだ。リストは目的地の一覧であって、道順ではない。どこを見ればいいか分からないまま景色が流れていけば、何も残らないのは当たり前だと感じる。ここでは、聴き取る的を一つずつ決めていく手順と、その段階に合う本を割り当てる六週間の組み立て方を書く。 名盤リストだけでは前に進めない 名盤リストが悪いわけではない。あのリストは、歴史の上で重要だった録音や、長く売れ続けてきた録音を並べたものだ。選ばれた理由はきちんとある。ただ、その順番は「ジャズを初めて聴く人が、どういう順で耳を慣らしていくか」という観点では組まれていない。重要度の順と、入りやすさの順は別物だ。 もうひとつ厄介なのは、感想を書くための物差しが手元にないことだ。知らない音楽を一枚通して聴いたあとに残るのは、良かったか良くなかったかの二択しかない。これだと二枚目を聴く動機が生まれにくい。好きになれたかどうかは運まかせになってしまう。 ジャズの一曲は、短いもので三分、長ければ十分を超える。その中では、最初にメロディが示され、そのあと奏者が順番に即興を取り、最後にもう一度メロディに戻ってくる、という進み方をすることが多い。構造を知らずに聴くと、同じところをぐるぐる回っているように聞こえる。回っているのは事実なのだが、回るたびに中身が変わっている、というのがこの音楽の肝心なところだ。そこが聞こえないうちは、長さだけが印象に残る。 だから、一回の再生につき聴き取る対象を一つだけ決める。対象を絞ると、一枚のアルバムが何度でも新しくなる。五十枚を一周するより、五枚を十回ずつ聴いたほうが、結果として耳は早く育つと思う。 耳の置きどころを一つに決める 一人が吹き、もう一人がその場で応える。ジャズの中身はこの往復にあるPhoto: Francesca.giovinazzo / CC BY-SA 4.0 聴き取る対象の候補は、大きく四つに分けられる。メロディ、グルーヴ、奏者どうしのやりとり、そして音色だ。メロディは曲の顔にあたる部分で、冒頭と最後に出てくる。グルーヴは、足でリズムを取りたくなるかどうかの感触で、ベースとドラムとピアノが作っている。やりとりは、誰かが吹いたフレーズに別の誰かが反応する瞬間のことだ。音色は、同じ楽器でも奏者ごとに違う、息の混じり方や弦の鳴り方を指す。この四つを同時に追おうとすると、たいてい全部ぼやける。 具体的な手順として、同じ曲を三回続けて聴く方法が分かりやすい。一回目は何も意識せず流す。二回目は、冒頭のメロディを自分で口ずさめるかどうかを確かめる。口ずさめたなら、そのあと即興がどれだけ遠くへ行っても、戻ってくる場所が分かる。三回目は楽器を一つ選んで、その楽器だけを最後まで追いかける。この三回目が、いちばん発見が多い。 追いかける楽器は、曲ごとに変えていい。ベースは曲の土台を作っていて、和音の動きを一番はっきり示している。ドラムは全体の脈を打ちながら、要所で合いの手を入れる。ピアノは和音で返事をする係で、ソロを取っている奏者に相槌を打ったり、わざと外したりする。管楽器や歌はメロディを担当するが、同じメロディを毎回わざと崩して演奏する。崩し方の癖が、その人の個性になる。 聴き終えたら、三行だけ書き残しておくことを勧めたい。気に入った音が一つ、気づいた奏者が一人、分からなかったことが一つ。これだけで、次に聴くときの的が自動的に決まる。分からなかったことは、たいてい次の週の課題になる。 曲の形がわかると、迷子にならない ベースを追うと曲の継ぎ目が見えてくる。一周の変わり目で動きが戻るPhoto: CookipediaChef / CC BY-SA 4.0 ジャズの演奏には、ほとんどの場合に共通する進行の型がある。短い導入があり、曲のメロディが一通り演奏され、そのあと奏者が順番に即興を取り、最後にもう一度メロディに戻って終わる。最初と最後に出てくるメロディの部分を「ヘッド」と呼ぶ。即興の部分では、曲の和音の流れを何周もくり返しながら、その上で自由に演奏している。この一周を「コーラス」と言う。 一周の長さは曲によって決まっている。古いポピュラーソングを下敷きにした曲なら、八小節のまとまりが四つ並ぶ三十二小節の形が多い。四つのうち三つ目だけ雰囲気が変わる並び方が典型で、この三つ目は「ブリッジ」と呼ばれる。ブルースを下敷きにした曲なら、十二小節で一周する。どちらの場合も、一周し終えると最初に戻るので、注意していると継ぎ目が聞こえてくる。 この継ぎ目が分かると、聴いている最中に「今どのあたりなのか」が掴める。ソロを取る奏者が交代するのは、たいてい一周の頭だ。サックスが何周か吹いて、次にピアノに渡り、そのあとベースが受け取る、という流れが見えるようになる。終盤で、管楽器とドラムが四小節ずつ交互に短いフレーズを投げ合うことがある。これは四小節の交換と呼ばれる定番の見せ場で、形を掴んでいると、ここで何が起きているのかがはっきり分かる。 継ぎ目を掴む近道は、やはりベースを追うことだと思う。ベースは一周の変わり目で必ず出発点の音に戻ってくるので、目印として使いやすい。慣れないうちは、指で四つ数えるのを四回くり返して十六小節、もう一度くり返して三十二小節、という具合に数えてみるといい。数えるのは最初の二、三回だけでよくて、そのうち数えなくても切れ目が感じ取れるようになる。この感覚が手に入ると、長い演奏が長く感じられなくなる。 六週間の聴く順番を組む ライドシンバルの刻みとブラシの擦れる音。二週目はここだけを追うPhoto: Mike a davies / CC BY-SA 4.0 ここまでの考え方を、六週間の順番に落とし込む。一週につき聴き取る対象を一つだけ決めて、その対象がはっきり聞こえる盤を二枚までに絞る。枚数を増やさないのがこつで、同じ盤を一週間かけて何度も聴くほうが、新しい盤を次々に足すより手応えがある。通勤中のような「ながら聴き」とは別に、週に二回ほど、十分だけ腰を据えて聴く時間を取れると理想的だ。 一週目はメロディを覚えることだけに使う。マイルス・デイヴィスの『Kind of Blue』は一九五九年の録音で、どの曲もゆったりしていて輪郭が掴みやすい。同じ年に出たデイヴ・ブルーベック・カルテットの『Time Out』は、四拍子ではない変わった拍子の曲を集めているのに、メロディは驚くほど覚えやすい。二週目はグルーヴとリズム隊に移る。アート・ブレイキーとジャズ・メッセンジャーズの『Moanin’』は一九五八年十月の録音で、ピアノのボビー・ティモンズが書いた表題曲の、あの呼びかけと応答のような出だしが有名だ。ブレイキーのドラムは終始主張が強く、ドラムだけを追う練習にはうってつけだと思う。 三週目は、前の章で書いた曲の形を数えることに充てる。ソニー・ロリンズの『Saxophone Colossus』は一九五六年の録音で、冒頭の「St. Thomas」は形が単純なうえに、ドラムのソロやベースの受け渡しがはっきりしているので、継ぎ目を探す練習がしやすい。四週目は奏者どうしのやりとりを聴く。ビル・エヴァンス・トリオの『Waltz for Debby』は、一九六一年六月二十五日にニューヨークのヴィレッジ・ヴァンガードで録音された。ピアノのエヴァンス、ベースのスコット・ラファロ、ドラムのポール・モチアンの三人が、伴奏と主役の役割を細かく入れ替えながら演奏していて、三人が互いの出方をうかがっている様子がそのまま記録されている。ラファロはこの録音の十日後に交通事故で亡くなっていて、この三人の演奏はこれが最後になった。 五週目は音色と編成の違いに耳を向ける。エラ・フィッツジェラルドとルイ・アームストロングが一九五六年に吹き込んだ『Ella and Louis』は、滑らかな歌としゃがれた歌が交互に出てくるので、声の質の違いがそのまま聴きどころになる。ハービー・ハンコックの『Maiden Voyage』は一九六五年の録音で、同じ管楽器でも響かせ方がまるで違うことが分かる。六週目は歴史の軸に戻す。ジョン・コルトレーンの『A Love Supreme』は一九六四年十二月の録音で、四つの部分が組曲としてつながっている。ここまでの五週間で身につけた聴き方を全部使わないと歯が立たない盤なので、締めくくりに置いている。 週 聴き取る対象 聴く盤 合わせて読む本 1 メロディを覚える Kind of Blue / Time Out 『ゼロから分かる！ ジャズ入門』 2 グルーヴとリズム隊 Moanin' 『ジャズの名盤入門』の該当項目 3 曲の形を数える Saxophone Colossus 『ジャズ・スタンダード』で曲を引く 4 奏者どうしのやりとり Waltz for Debby 『ポートレイト・イン・ジャズ』 5 音色と編成の違い Ella and Louis / Maiden Voyage 『生きているジャズ史』 6 歴史の中に置き直す A Love Supreme 『新書で入門 ジャズの歴史』 読む本を、聴く段階に合わせる 本を選ぶときに気をつけたいのは、通読しようとしないことだ。入門書を最初から最後まで読み切ってから聴き始めると、だいたい読み終わる前に力尽きる。その週に聴く盤や、その週の対象に関係する箇所だけを、聴く直前に数ページ読む。この使い方なら、六冊あっても負担にならない。 ...

導入 宅録を始めるなら、マイク選びが最初の分岐点だ。ダイナミックマイクと違い、コンデンサーマイクは電源（48V ファントム電源）を必要とするため、つなぐ機材の条件も確認が要る。また、指向性（単一指向性か広い感度か）、周波数特性、インピーダンスなどの違いで、録音に映る「空間感」や「音の表情」が大きく変わる。 本記事では、初心者向けから定番の高級機まで、5台のコンデンサーマイクを並べた。評価軸は、セットアップのしやすさ、操作感、マイク立ち上げの速さ、将来の拡張性、そして耐久性の5つ。同じジャンル内でも、価格の差がどこに消えているのかを見ていこう。 評価軸の考え方 ハードウェアマイクの評判を分けるのは、以下の5点だ： セットアップ: ケーブル接続、電源確認、接地処理などの初期設定の簡単さ 操作性: マイク本体での調整可能性、ゲイン調整の自由度、マウント交換の容易性 マイク立ち上げ: 「宅録を始めたい」というタイミングから、実際に使えるレベルまでの時間と手間 拡張性: 他のマイク、プリアンプ、オーディオインターフェイスとの組み合わせ柔軟性 耐久性: 経年変化、湿度・温度変化への耐性、修理サポートの手厚さ これらの軸で5本を評価する。 各製品の詳細 Audio-Technica AT2020 — エントリーの定番 Audio-Technica AT2020Image: Audio-Technica / 公式サイト AT2020 は宅録の入門機として、ここ20年不動の位置にある。単一指向性（カーディオイド）で、スピーカーやバウンスした音を拾いにくく、ボーカル録音に適している。48V ファントム電源が必須だが、ほぼすべてのオーディオインターフェイスが対応しているため、セットアップの手間は最小限だ。 周波数特性は 20Hz 〜 20kHz で標準的。インピーダンス 100Ω という低インピーダンス設計のため、長いマイクケーブルでも扱いやすい。付属するのはスタンドマウントだけなので、ショックマウントやポップフィルターは必要に応じて買い足すことになるが、それを含めても5本の中でいちばん手頃に始められる。 音は明るくクリアで、ボーカルが前に出てくる。構造がシンプルで壊れにくく、長く使える一本だと思う。 セットアップ 4 / 操作性 4 / マイク立ち上げ 5 / 拡張性 3 / 耐久性 4 RODE NT1 5th Generation — ノイズフロアの低さが利点 RODE NT1-A の振動板（NT1 シリーズの旧モデル）Photo: ElooKoN / CC BY-SA 4.0 RODE NT1 5th Generation は、2023 年 2 月に発表された NT1 の最新世代だ。単一指向性のカーディオイドで、AT2020 と用途は似ているが、ノイズフロアの低さに加えて、XLR と USB-C の両方で接続できる点が大きな違いになる。 ...

スコットランドのウイスキーの中でも、ピーティ（泥炭臭）で知られるアイラモルト。しかし「ピーティ」というひとことで片付けてしまっては、この島の本当の面白さが見えない。同じ島の蒸溜所でも、麦芽をどれだけピートで焚くか、どんな蒸溜器と樽で仕上げるかによって、煙の香りはまったく違うものになる。 「ピーティなウイスキー」というと、どれも同じ強い燻臭いイメージで語られることが多い。テイスティングの初心者も上級者も、「アイラは煙臭い」という先入観から逃げられない。だが実際に5つのアイラモルトを飲み比べると、その固定観念は崩れ去る。同じ島の産物とは思えないほど、それぞれが異なる煙のプロフィールを持っているのだ。 この記事では、アイラ島を代表する5つのシングルモルトを通じて、ピートの多様性を知ってみたい。南東岸の最強峰から中央のバランス型、北東のクリーン系、そして西のノンピートまで、島をぐるりと回る5つの選択肢。どれが「スモーキー」なのか、その違いはどこから生まれるのか——はじめの一本を選ぶときの指針にもなるだろう。 南東岸から北東まで、アイラの蒸溜所が決める煙の種類 海辺に建つラフロイグ蒸溜所Photo: Bjarne Henning Kvaal / CC BY-SA 3.0 アイラ島はスコットランド西岸の沖、ヘブリディーズ諸島の南端にある島だ。南北およそ40km、東西およそ30kmほどの島に、現在は10を超える蒸溜所が点在している。島の大部分が泥炭（ピート）に覆われ、古くから燃料としてピートを使ってきた土地でもある。 ウイスキーの煙の強さを主に決めるのは、麦芽を乾燥させるときにピートをどれだけ焚くかだ。焚く量が多いほど麦芽にフェノール類が移り、仕上がりの煙は濃くなる。南東岸のラフロイグやアードベッグは強く焚いた麦芽を使い、北東のカオル・イーラはそれより穏やか、西のブルイックラディックの看板商品はピートを焚かない麦芽で造られている。 さらに複雑なのは、多くの蒸溜所が麦芽を島外の製麦所から仕入れていて、蒸溜所の場所とピートの産地が一致するとは限らないということ。また、蒸溜器の形、発酵の時間、樽の種類なども、最終的な香りに大きく影響する。つまり、「ピート」という単一の要素だけでは説明できない複雑さが、アイラのウイスキーには隠されているのである。 同じように燻した麦芽でも、蒸溜所の造りによって、最終的なウイスキーの香りは大きく変わる。ピートといえば「いぶされた」という連想で一括りにされやすいが、実際には多くの色合いがある。それを体験できるのが、アイラの5つの蒸溜所なのである。 ラフロイグ 10年 — 沿岸の塩辛さが混じる最強峰 ラフロイグ 10年Photo: JIP / CC BY-SA 3.0 / Amazonで見る → アイラの南端、ポート・エレン地区に位置するラフロイグは、アイラ最高峰のピーティなウイスキーの地位を保ち続けている。南岸の海寄りに建つこの蒸溜所は、ピートの質がもっとも個性的だ。 麦芽の乾燥に使うピートは自社で採掘し、海風の影響を受けた沿岸部のピート。そのため、スモーキーさの奥底に塩辛さ・ヨード臭・潮の香りが混じる。初めて飲むと「これがウイスキーか？」と驚くほど強烈だが、この個性こそがラフロイグの価値だ。 テイスティングノート：スモークと塩辛さが強く、余韻に医療用消毒液（アイオディン）のような香り。樽由来の甘さはほとんど感じられない。好き嫌いが最も分かれる一本だが、ピーティウイスキーの最高峰を知りたいなら外せない。初心者には厳しいが、ピーティさの究極形を体験したいなら必飲。 ラフロイグが持つ強烈な個性は、アイラ南岸の特定の場所で採掘されるピートと、蒸溜所独自の製造方法の結果だ。樽の選定も、このピートの強さを引き立てるように工夫されている。つまり、ラフロイグのスモーキーさは偶然ではなく、綿密な設計の上に成り立っているのである。 ピート感：5 / 個性：5 / 入手性：5 / コスパ：3 / 入門向き：2 アードベッグ 10年 — 燻製香の奥に花が咲く アードベッグ 10年Photo: JIP / CC BY-SA 3.0 / Amazonで見る → アイラ島の南西に位置するアードベッグは、南岸の蒸溜所の中でも際立った個性を持つ。ラフロイグほどではないが、やはり強いピート感を前面に出すウイスキーだ。 特徴的なのは、煙の奥底に花のような香りが感じられること。これはアードベッグが樽の選定に工夫を凝らしているためで、ピートの強さに見合う熟成環境を作り上げている。ラフロイグのようなヨード臭は少なく、もっとクリーンな「燻製」というイメージに近い。 テイスティングノート：スモークの中に樽由来の果実香・チョコレート、わずかなバニラが感じられる。ラフロイグより飲みやすく、かつピート感はしっかりしている。ピーティウイスキー入門としても、深掘り好きにとっても良い選択肢。余韻の長さもラフロイグに負けておらず、複雑さは確実に次のレベルへと進んでいる。 ...

Audacity 4 は何が変わったのか 2026年9月3日、Audacity が25年の歴史で最大の改装版となるバージョン4をリリースした。これまでのAudacityは波形を直接操作する「波形中心」の設計だったが、4.0 では音声の断片（クリップ）を個別の「オブジェクト」として扱う「クリップ中心」の編集モデルに転換した。同時に UI の根底も刷新し、wxWidgets から Qt6 フレームワークへ全面移行。結果として、見た目も操作も思想も全く異なるアプリケーションに進化している。 無料で使える音声編集ソフトの最高峰は本当に無料なのか、それとも制限が大きいのか。2026年9月の大改装を通じて、Audacity 4 がポッドキャスターや音楽制作者、録音初心者にとってどんな位置づけになったかを整理する。 UIフレームワーク全面刷新「wxWidgets → Qt6」 刷新前の Audacity 3.3。wxWidgets 時代の画面Image: Peter H Sampson / CC BY-SA 4.0 Audacity 3 までは、30年近く前に Windows や Linux 向けアプリを書くときの標準だった wxWidgets フレームワークに依存していた。このため、UI のレスポンスが鈍い、高解像度ディスプレイ（高DPI）での表示がぼやけるといった、現代のコンピュータを使う時の違和感が蓄積していた。 Audacity 4 は、この根底から Qt6 に置き換えた。Qt は、VLC メディアプレイヤーや KDE のアプリ群など、多くのデスクトップアプリを支える定番のフレームワークだ。wxWidgets 時代の「ちょっと古い見た目」「モッサリした操作」は一掃され、2020年代らしい、キビキビとしたインターフェースに生まれ変わった。 高DPI ネイティブ対応で、画面がシャープに 特に目に見える改善は高DPI対応。Retina ディスプレイや4K モニターを使っているなら、Audacity 3 の「なんとなく古くさい見た目」は Qt6 のネイティブレンダリングで解消される。アイコン、メニュー、ウィンドウ枠がすべてくっきりとシャープに表示される。 ツールバーを完全カスタマイズ可能に 従来の Audacity は、ツールバーの位置や表示を大幅には変えられなかった。が、4.0 からは「ツールを移動・ドック・フローティング・非表示・並び替え」できるようになった。付属の3つのワークスペース（Modern / Classic / Music）から選んでも、完全に自分好みにカスタマイズしてもよい。録音メインなら必要なボタンだけを表示し、スッキリした画面を作ることもできる。 ワークスペース機能で、プロジェクト別の環境を切り替え 新しい「ワークスペース」機能は、ツール群とウィンドウレイアウトをセットで保存できる。ポッドキャスト録音用、音楽編集用、オーディオマスタリング用など、タスク別の環境を作って、プロジェクトに応じて瞬時に切り替える。毎回ツールバーを並び直す手間がなくなる。 ...

11月の買い物は毎年荒れる。半額、70%オフ、90%オフという数字が一斉に並び、日頃は手が出ない価格のものが急に手の届くところまで降りてくる。その熱に当てられて、その場のノリで買ったものが年明けに一度も開かれないまま並んでいる、というのを何度か繰り返してきた。 反省の結論ははっきりしていて、失敗の原因はセール当日ではなく、その前の準備にある。何が足りていないのかを決めないまま値札だけを眺めれば、安いものを買うのではなく、安く見えるものを買うことになる。だから計画は10月のうちに立てておきたい。この記事では、2026年のブラックフライデーまでに何を整理しておくべきかを、日程の読み方、環境の棚卸し、値下がりの傾向、価格表示の見方という順番でまとめていく。 2026年のブラックフライデーは11月27日、ただし当日はあまり関係ない 街頭に出るセールの立て看板。11月の恒例になって久しい Photo: Donald Trung Quoc Don / Wikimedia Commons (CC BY-SA 4.0) ブラックフライデーはアメリカの感謝祭の翌日にあたる。感謝祭は11月の第4木曜日なので、2026年は11月26日が感謝祭、11月27日(金)がブラックフライデー、11月30日(月)がサイバーマンデーということになる。ここまでは暦の計算で確定する話だ。 ところが、この日付を手帳に書いて当日を待つのは、実はあまり意味がない。音楽制作まわりのソフトウェアに関して言えば、セールが始まるのは当日ではなく、3週間から4週間ほど前だからだ。2025年の例を思い出すと、10月末には早期アクセスという名目で大きなバンドルが動き始めていたし、11月の第1週にはすでにいくつものメーカーが値下げに入っていた。大手の「サイバーシーズン」のような長期キャンペーンは11月半ばに始まって12月半ばまで続いていたし、年明けの1月初めまで値段が戻らなかったバンドルもあった。 つまり実務上の買い時は、金曜の1日ではなく、おおよそ11月の頭から12月の第1週まで、長いものは年明けまでという幅のある期間になる。「ブラックフライデーを逃した」と焦る必要はあまりないし、逆に言えば11月に入った時点でもう判断を求められているということでもある。10月のうちに準備しておくべきだという話の根拠はここにある。 一方、国内の通販セールはもう少し動きが違う。Amazon.co.jpの場合、ここ数年は11月下旬に先行セールを数日はさんでから本セールに入り、8日間ほどで終わるという形が続いてきた。2023年は11月24日から12月1日、2024年は11月29日から12月6日、2025年は11月24日から12月1日という具合だ。ただし2025年は本セールの開始が月曜になっていて、「金曜に始まる」という前提はすでに崩れている。2026年の日程は現時点では発表されていないので、予想を見かけても確定情報として扱わないほうがいい。11月の中旬には公式の案内が出るはずなので、それを待って最終的な予定を組めば十分間に合う。 国内の楽器店・機材店はさらにばらつきがある。楽器系の通販では値引きではなくポイント還元の形をとることが多く、しかも在庫品限定という条件が付くことがある。輸入代理店が担当ブランドごとに独自のセールを張ることもあって、こちらは海外本国のセールより早く始まり、終わるのも早い場合がある。要するに締め切りは店ごと・ブランドごとにばらばらで、「11月27日まで」という一本の線は存在しない。 買う物を決める前に、自分の環境の穴を洗い出す 増やし続けた結果の部屋。足りないものより、使っていないものが先に目につく Photo: Dai Stanton / Wikimedia Commons (CC BY-SA 2.0) 計画の出発点は値札ではなく、自分の環境のほうだ。この順番を逆にすると、安くなっているものの中から欲しい理由を後付けで探すことになる。先にやるべきは、いま制作が止まる場所、やり直しが発生する場所、面倒で避けている作業を思い出して、箇条書きにすることだと思う。 書き出してみると、意外と上位に来るのはプラグインではない。音を判断できない部屋で延々とミックスをやり直している、録音のたびにケーブルを挿し替えている、プロジェクトを開くのに時間がかかる、といった地味な問題のほうが時間を食っている。そして厄介なことに、この種の問題を解決するものほど、11月に安くならない。 とくに部屋の音響処理は、セールとほとんど縁がない分野だ。吸音材やベーストラップを扱うメーカーは、11月だからといって大きく下げてこない。むしろ秋口に出る固定額のクーポンのほうが条件がよかった、ということすらある。一方でソフトウェアは半額から9割引まで下がる。この落差があるせいで、セールの構造そのものが、本当に効く買い物から人を遠ざける方向に働いている。ここは自覚しておいたほうがいい。 しかも音の環境を良くするうえで最も効果が大きい手当ては、お金がかからない。スピーカーの置き場所と左右の対称性、壁からの距離、耳の高さに合っているかどうか。ここを直すのが先で、吸音材はその次だ。横に向けて置かれたスピーカー、部屋の隅に押し込まれたスピーカー、左右で条件の違う配置——このあたりを放置したまま新しいモニターを買っても、価格差のぶんの違いは聞き分けられないと思う。薄いウレタンのパネルを壁に貼るだけ、というのも落とし穴で、高音ばかり吸って低音は残るので、こもった割に低域は暴れたままという状態になりやすい。 機材のほうにも、同じように「買い替える条件」を先に決めておくと迷いが減る。たとえばオーディオインターフェイスなら、入出力の数が足りない、プリアンプのノイズやヘッドルームに不満がある、ドライバが落ちる、OSやDAWの更新に付いてこられなくなった——このどれかに当てはまるなら買い替えの価値がある。逆に言えば、どれにも当てはまらないのに新型が3割引だからという理由で入れ替えても、作業はたぶん何も変わらない。 ソフトウェアについては、ひとつだけ質問を用意しておくと効く。「これを半年後もプロジェクトで開いているか」。この問いに具体的な場面を思い浮かべて答えられないものは、だいたい買わなくていい。EQを何十種類も持っていても普段使うのは2つ3つ、コンプレッサーも同じ、というのはよくある話で、増やしたぶんだけ迷う時間が増えるという副作用もある。 値下がりしやすいもの、しにくいもの よく使うものほど値引き率は小さい、という関係になりやすい Photo: andrew pilling / Wikimedia Commons (CC BY-SA 2.0) 同じ「セール」でも、分野によって下がり方はまるで違う。ここを頭に入れておくと、待つべきものと待っても無駄なものを事前に仕分けられる。過去数年の傾向をざっくり整理すると、おおむね次のようになる。 対象 値引きの目安 判断 ソフトのバンドル 70〜95% 11月に買う価値がある。ただし中身の精査が必須 ソフトの単品 20〜80% メーカーによって差が大きい SSD・ストレージ 20〜40% 年間でも最安になりやすい。買うなら11月 一般向けヘッドホン 25〜60% 下げ幅は大きい 定番のスタジオヘッドホン 15〜30% 悪くないが、年間最安とは限らない シンセ・グルーヴボックス 10〜50% 旧仕様の在庫ほど深い 普及価格帯のモニター 20〜25% 11月向き 上位クラスのモニター 0〜10% 待っても下がらない MIDIコントローラー 10〜35% 安価な機種ほど率が大きい オーディオインターフェイス 10〜20% 率は小さい。付属ソフトで埋める形が多い 定番マイク 10〜15% 率は小さく、年中そこそこ安い 吸音材・音響処理 ほぼ0〜10% 11月を待つ意味がない ソフトウェアの9割引という数字は、ほぼ例外なくバンドルで出てくる。単品で8割を超えることは滅多にない。そしてバンドルは後悔の最大の発生源でもある。60本入りで9割引と言われると得に見えるが、実際に開くのはそのうち数本で、残りはリストを長くするだけということが起きる。月曜日に開くものを買う、博物館を作らない、というくらいの基準でちょうどいいと思う。 ...

ジャケットを着ないのに、きちんとして見える。それでいて堅苦しくない。そんな装いを一つ挙げるなら、シャツにサスペンダーとネクタイを合わせ、中折れハットをのせたクラシックなスタイルだと思う。1920〜40年代のジャズエイジの紳士服を下敷きにしながら、ジャケットを省いて軽やかにした、大人の休日にちょうどいいバランスの着こなしだ。 今回組むのは、ライトブルーのドレスシャツ、ダークブラウンのY型サスペンダー、ダークブラウンの細身ネクタイ、黒のテーパードスラックス、ダークブラウンの中折れハットという5つのアイテム。どれも単品で見ればごく基本的なものだが、組み合わせると一気に雰囲気が出る。この記事では、全体の色の考え方から、アイテムごとの選び方、サイズ感や小物の合わせ方、季節ごとのアレンジまでを順に見ていく。各アイテムの写真をクリックすると、Amazonで近い商品を探せるようにしてある。 コーディネートの全体像 — 3色で組む このスタイルの骨格は、ライトブルー、ダークブラウン、黒の3色だけで成り立っている。いちばん面積の大きいシャツを明るいライトブルーにして、顔まわりを爽やかに見せる。そこに、サスペンダー、ネクタイ、ハットというアクセントをすべてダークブラウンでそろえ、ボトムスの黒で全体を引き締める。ブラウン系の小物を同じ色でそろえるのが、まとまりを出すいちばんのコツだ。 ライトブルーとブラウンは、互いに引き立て合う相性のよい組み合わせだと思う。冷たい青と温かい茶色がぶつからずに混ざり、カジュアルすぎず、フォーマルすぎない落ち着いた印象になる。黒のスラックスはスーツ用のように光沢のあるものではなく、マットな生地を選ぶと、ブラウンの小物と自然になじむ。 もう一つのポイントは、縦のラインだ。サスペンダーの2本の線と、ネクタイの1本の線が、上半身にすっと縦の流れを作る。これがスタイルを縦長に、すっきり見せてくれる。ジャケットを着ないぶん、サスペンダーとネクタイがジャケットの役目を果たしていると考えるとわかりやすい。 ライトブルーのドレスシャツ — 土台になる一枚 土台はライトブルーの無地ドレスシャツ（クリックでAmazonへ） Photo: Ser Amantio di Nicolao / Wikimedia Commons (CC BY-SA 4.0) 装いの土台になるのが、ライトブルーの無地のドレスシャツだ。襟はレギュラーカラーを選びたい。ネクタイを締めたときに襟の開きが自然で、細身のネクタイともバランスがとりやすい。ボタンダウンでもカジュアルに寄せられるが、ハットやサスペンダーのクラシックな雰囲気には、レギュラーカラーのほうが素直に合うと思う。 シルエットはスリムフィットがおすすめだ。サスペンダーを付けるとシャツの上にベルトのラインがなくなるため、身幅が余っているとお腹まわりの生地がもたついて見えてしまう。体に沿ったスリムフィットなら、サスペンダーの縦のラインがきれいに出る。袖は長袖を選び、少しまくって手首を見せると、腕時計やブレスレットがのぞいて、こなれた印象になる。 生地は、ブロードのようななめらかなものなら上品に、シャンブレーやオックスフォードのようにざっくりした風合いのものなら、ぐっとカジュアルに振れる。最初の一枚なら、どちらにも転がしやすい無地のブロードかオックスフォードが使いやすい。色はくすみのない明るいライトブルーを選ぶと、ダークブラウンの小物が映える。 Y型サスペンダー — 主役になる縦のライン 2本の縦のラインが、上半身を引き締める Photo: Pixel.la / Wikimedia Commons (CC0) この装いの主役が、ダークブラウンのY型サスペンダーだ。背中側で1本にまとまる「Y型」は、肩から落ちにくく、背中のシルエットもすっきりする。後ろで交差する「X型」よりもクラシックで、シャツ1枚で着る場面にも向いていると思う。 幅は35mm前後の幅広タイプを選びたい。細いサスペンダーはカジュアルで軽い印象になるが、35mmほどの幅があると、上半身にしっかりとした存在感が生まれ、ジャケットを着ていなくても装いが締まって見える。素材は本革のレザーがおすすめで、使い込むほどに色が深まり、ダークブラウンの味わいが増していく。金具のアジャスターも、真鍮やアンティーク調の色を選ぶとクラシックな雰囲気に合う。 留め方は、パンツにボタンを付けるボタン式と、パンツのウエストを挟むクリップ式がある。ボタン式のほうが本格的だが、手持ちのパンツにボタンが付いていないことが多いので、まずはどのパンツにも使えるクリップ式から始めるのが現実的だ。長さは、まっすぐ立ったときにパンツが自然な位置に収まるよう調整する。引き上げすぎると股上が食い込み、緩すぎるとパンツが下がってだらしなく見えるので、鏡の前で何度か確かめたい。 ダークブラウンの細身ネクタイ サスペンダーと同じブラウンでそろえるのがコツ Photo: Ben Rosett / Unsplash (CC0) ネクタイは、サスペンダーと同じダークブラウンの無地を選ぶ。色をそろえることで、首元から腰までの縦のラインが一本につながり、まとまりが生まれる。柄物を選ぶと視線が散りやすいので、このスタイルでは無地がいちばん合うと思う。 幅は5cm前後の細身がおすすめだ。一般的なビジネス用のネクタイは7〜8cmほどあるが、ジャケットを着ないこのスタイルでは、太いネクタイだと胸元が重たく見える。5cmほどの細身なら、サスペンダーの2本の線との幅のバランスもよく、軽快な印象になる。 素材はツヤの少ないマットな質感を選びたい。光沢の強いシルクのネクタイはスーツ向きで、シャツ1枚のスタイルでは少し浮いてしまう。ウールやニット、マットなポリエステルのネクタイなら、レザーのサスペンダーやフェルトのハットと質感がなじむ。結び方は、結び目が小さく縦長にまとまるプレーンノットが細身のネクタイに合う。 黒のテーパードスラックス — 全体を引き締める 裾に向かって細くなるテーパードが軽快 Photo: Brooke Cagle / Unsplash (CC0) ボトムスは黒のスラックスで、全体をきりっと引き締める。シルエットは、腰まわりにわずかなゆとりがあり、裾に向かって細くなるスリムテーパードを選びたい。上半身にサスペンダーとネクタイの縦のラインがあるぶん、下半身もすっきりさせると、全身のバランスが整う。 前に折り目の入らないノータックのスラックスなら、腰まわりがすっきり見えて、現代的な印象になる。クラシックな雰囲気をより強めたいなら、前にひだの入ったタック入りのスラックスも合うが、まずはどんな上半身にも合わせやすいノータックが扱いやすい。センタープレスの入ったものを選ぶと、脚がまっすぐ長く見え、カジュアルな生地でもきちんと感が出る。 ...

Cubaseは機能が多いDAWだ。録音、MIDIの打ち込み、オーディオ編集、ミックス、マスタリングに加えて、楽譜まで扱える。そのぶん、起動した最初の画面で「どこから手をつければいいのか」と立ち止まってしまう人も多いと思う。 『CUBASE 15 & 15 PRO ユーザーガイド』は、そうした最初のつまずきを越えて、1曲を完成させるまでの道筋を示すことを目的にした解説書だ。2026年9月21日に発売された、Cubase 15と15 Proに対応する一冊になる。この記事では、本書がどんな本で、どこまでを扱っているのかを整理したうえで、Cubase本体と組み合わせてどう読み進めると力がつくのかを具体的に考えていく。 Cubase Pro 15そのものの機能、とくにスコアエディターについては「Cubase Pro 15のスコアエディターを読み解く、Doricoの譜面エンジンと15の新機能」で詳しく取り上げているので、あわせて読んでほしい。 どんな本か — 書誌情報 まずは基本的な情報をまとめておく。 項目 内容 書名 CUBASE 15 & 15 PRO ユーザーガイド: レコーディング、MIDI、オーディオ編集、アレンジ、バーチャル・インストゥルメント、ミキシング、エフェクト、オートメーション、マスタリング、そしてプロフェッショナルな音楽制作の実践ガイド 著者 アルデン・マーロウ 発行 Independently published（個人出版） 発売日 2026年9月21日 形式 ペーパーバック ページ数 128ページ 判型 約21.6×27.9cm（レターサイズ） 価格 3,999円（Amazon） ISBN-13 979-8176198294 出版社を通さない個人出版の本で、Amazonのオンデマンド印刷で届く形式だと思われる。判型はA4に近いレターサイズで、画面の図版を大きめに載せやすい大きさだ。128ページという分量は、Cubaseの全機能を網羅するリファレンスというより、制作の流れに沿って要点を押さえる実践ガイドの厚みだと考えておくとよい。 本書が扱う範囲 本書が掲げている学習内容は、音楽制作の工程をひととおりなぞる構成になっている。 セットアップと録音: オーディオインターフェースの設定、プロジェクトの作り方、オーディオとMIDIをきれいに録る方法 オーディオ編集: タイミングの修正、演奏の整理、ベストテイクを選んでつなぐコンピング、セッションの整理整頓 MIDI: 人間味のある打ち込み、クオンタイズ、表現の作り込み アレンジ: イントロ、Aメロ、サビ、つなぎ（トランジション）の組み立て バーチャル・インストゥルメント: 音色の読み込み、レイヤー、音作り ミックス: レベル設定、EQ・コンプレッション・エフェクトの使い方、各パートの居場所づくり オートメーション: 音量やエフェクト、楽器のパラメーターに動きをつける マスタリングと書き出し: ストリーミングや共有に向けた仕上げと書き出し ワークフローの効率化: 時間を節約し、初心者がはまりやすいミスを避ける習慣 「どこをクリックすべきか」に加えて「なぜそうするのか」まで説明する、というのが本書の方針だ。操作手順だけを覚えると、画面やバージョンが変わったときに応用が利かない。理由とセットで覚えられる構成は、DAWを長く使っていくうえで正しいアプローチだと思う。 想定している読者 本書は、幅広い制作者を読者として想定している。 初心者: 専門用語に頼らない、ステップごとの解説 ホームスタジオで制作する人: アイデア出しから最終マスターまで、繰り返し使える制作プロセス ボーカリスト、バンドメンバー、ソングライター: 録音とミックスの実践的な手引き ビートメイカー、エレクトロニック・ミュージックの制作者: MIDI、音源、アレンジのテクニック 経験のあるユーザー: ワークフローのヒントや機能の確認用リファレンス Cubase 15 / 15 Proへのアップグレードユーザー: 操作の把握と重要なツールの活用 対象がかなり広いぶん、128ページの中で一人ひとりに割ける分量には限りがあるはずだ。いちばん恩恵を受けやすいのは、Cubaseをこれから使い始める人や、ほかのDAWから乗り換えて「Cubaseでの1曲の作り方」を一度通して知りたい人だと思う。すでにCubaseで曲を完成させた経験がある人にとっては、知っている内容の確認が中心になりそうだ。 ...

SteinbergのCubase Pro 15は、2025年11月に登場したCubaseの最新メジャーバージョンだ。日本では2025年11月6日にダウンロード版の販売が始まり、2026年1月29日にはライセンス証書を同梱した「通常版」のパッケージも発売された。MIDIシーケンサーとして生まれ、録音・編集・ミックスまでを一台でこなすDAWへと育ってきたCubaseの中でも、最上位にあたるエディションになる。 今回はCubase Pro 15の機能の中から、とくにスコアエディターに焦点を当てたい。Cubase 14で、楽譜機能はSteinbergの楽譜作成ソフトDoricoの技術をもとに丸ごと作り直された。15ではその新しいスコアエディターに、書式設定や表示まわりの改良が少しずつ積み重ねられている。打ち込んだMIDIをそのまま楽譜にして、バンドメンバーやレコーディングの奏者に渡したい人にとって、ここはCubaseを選ぶ大きな理由になりうる部分だと思う。 前半でスコアエディターの仕組みと使い方、15での変化、弱点を詳しく見て、後半ではそれ以外の新機能、エディションと価格、動作環境までを整理していく。DAW全体の比較は「DAW 5本を比べる、机の上のオーケストラを誰に任せるか」にまとめているので、他のDAWとの違いが気になる人はあわせて読んでほしい。Cubaseを学ぶための書籍については「『CUBASE 15 & 15 PRO ユーザーガイド』を手元に、4週間で1曲を仕上げる」で取り上げている。 Cubase Pro 15の立ち位置と主な新機能 Cubaseのエディションは、上からPro、Artist、Elementsの3つ（ほかにハードウェア付属のAI、LEがある）。Proは、ミックスのサラウンド・イマーシブ対応、エクスプレッションマップ、高度なオーディオ編集など、プロの制作現場で使う機能をすべて含んだ最上位版だ。15で加わった主な新機能を、ざっと並べておく。 ステム分離（Pro）: 2ミックスの音源を、ボーカル・ドラム・ベース・その他の4つにAIで分離する メロディック・パターンシーケンサー（Pro/Artist）: パターンエディターに旋律用のモードが加わり、スケールやコードトラックに沿ったフレーズを生成できる 6種類の新しいモジュレーター: Random、Attack Decay、Morph LFO、Wavefold LFO、Crossfader、Sample & Hold エクスプレッションマップの全面刷新（Pro）: スコアエディターやキーエディターとの統合、アーティキュレーションごとの発音タイミング補正など Omnivocal（ベータ版）: ヤマハの歌声合成技術による歌声生成。キーエディターで歌詞を入力して歌わせる 新しい音源・エフェクト: Writing Room Synths、PitchShifter（±24半音）、UltraShaper（Pro）、ドラムマシンの新キット40種、Groove Agent SE 6 使い勝手の改良: プロジェクトのプレビュー付きの新しいHub、トラックリストでの音量・パン操作、オートメーションの「最後に触ったパラメーター」操作、クイック書き出し さらに、2026年に入ってからのメンテナンスアップデートでも機能が足されている。15.0.20ではオーディオを通してインサートも使えるフォルダートラックや、MixConsoleのグループの折りたたみが入った。15.0.30では、ProとArtistのユーザー向けにCelemonyのピッチ補正ソフト「Tonalic essential」が無償で提供されている。 スコアエディター — Doricoの技術で生まれ変わった譜面編集 Doricoの技術で描かれるCubaseのスコアエディター（クリックでAmazonの商品ページへ） Image: Steinberg Cubaseのスコアエディターは、Cubase 14で約30年ぶりに作り直された。土台になっているのは、Steinbergの楽譜作成ソフトDoricoの技術で、DoricoがMIDIファイルを読み込むときに使っている「採譜（トランスクリプション）エンジン」と同じものが、Cubaseの中で動いている。MIDIの演奏データから、拍子や調、声部の分かれ方を判断して、読みやすい楽譜を自動で組み上げてくれる仕組みだ。 画面を開くと、まず楽譜の見た目の美しさに目がいく。音符の間隔、連桁の角度、スラーのカーブ、強弱記号の位置といった「浄書」の品質はDorico譲りで、何も調整しなくても、そのまま印刷して譜面台に置ける水準の楽譜が出てくる。旧スコアエディターでは、見られる楽譜にするまでに細かな手直しが必要だったので、この変化はかなり大きいと感じた。 ただし、ここで押さえておきたいのは、このスコアエディターがあくまで「楽譜で見るMIDIエディター」として設計されていることだ。楽譜に並んでいる音符は、MIDIパートの中のノートそのもの。楽譜を編集すればMIDIが変わり、MIDIを編集すれば楽譜が変わる。Doricoのように「楽譜を作ること」自体を目的にしたソフトとは、出発点が違う。この性格を理解しておくと、できること・できないことの線引きがすっきり見えてくる。 なお、新しいスコアエディターはPro、Artist、Elements、さらにAIやLEまで、全エディションで基本的に同じものが使える。エディションによる差が出るのは、後で触れるエクスプレッションマップとの連携（Pro限定）くらいだ。 スコアエディターの開き方と画面構成 スコアエディターは、プロジェクトでMIDIパートを選んでから、メニューの「MIDI」→「スコアエディターを開く」で開く。キーボードショートカットはWindowsならCtrl+R、MacならCmd+R。環境設定によって、独立したウィンドウで開くか、プロジェクトウィンドウ下部のロワーゾーンに表示するかを選べる。打ち込みの合間にちらっと楽譜を確認したいときはロワーゾーン、楽譜をじっくり整えたいときは別ウィンドウ、という使い分けがしやすい。 画面は、おおむね次のような構成になっている。 ツールバー: 選択・入力・消去などのツールや、表示の切り替え 音符入力ツールバー: 音価（音符の長さ）の選択や、異名同音の切り替え 情報ライン: 選んだ音符の位置や長さ、ピッチなどを数値で確認・編集 Visibility（表示）パネル: どのトラックを楽譜に表示するか、どのレイアウトを使うかを選ぶ 左ゾーン: 記号を並べた「Symbols」タブと、移調・クオンタイズ・長さ調整などをまとめた「Note Functions」タブ スコア表示部: 楽譜そのもの 表示モードは2つある。印刷時のページ割りがそのまま見えるページ表示と、ウィンドウの幅に入るだけ小節を並べるフィル表示だ。打ち込み中はフィル表示で横に流して確認し、書き出し前にページ表示へ切り替えて、段の割り付けや改ページを確かめる、という流れが使いやすいと思う。複数のトラックを選んで開けば総譜として表示され、パート譜としてトラックごとのレイアウトも作れる。 ...