作曲

DTMの学び方を調べ始めると、無料の解説動画、数千円の動画講座、月1万円前後のマンツーマンレッスン、十数万円のコース型スクールまで、値段の幅が大きすぎて比べ方が分からなくなる。動画を見れば操作は覚えられるのに、なぜわざわざ人に習う必要があるのか。逆に、独学のまま何年も続けて、結局1曲も仕上がらないまま終わってしまうのはもったいない。 私の考えでは、この境目は「何を学ぶか」ではなく「自分の曲を誰かに聴いてもらう必要があるか」で決まる。DAWの操作や音楽理論の知識は動画と本で十分に身につく。お金を払う価値がはっきり出てくるのは、自分の曲のどこが悪いのかを指摘してもらう部分、つまり添削だ。この記事では、動画で足りる部分と人に見てもらわないと止まる部分を分けたうえで、国内のオンラインスクールの料金体系と添削の有無を軸に、独学との線の引き方を整理していく。 動画で足りるのは「操作」と「知識」 DAWの操作や書き出しの手順は、画面を見ながら覚えるのがいちばん早い。Photo: Marco Raaphorst from The Hague, The Netherlands / CC BY 2.0 DAWの基本操作は、動画との相性がとても良い分野だ。トラックの作り方、ピアノロールへの打ち込み、プラグインの挿し方、オーディオの書き出しといった手順は、画面の動きをそのまま真似できる動画のほうが文字の解説より圧倒的に分かりやすい。国内には無料で読める解説記事や動画が大量にあり、主要なDAWであれば操作で困ったときに答えが見つからないことはまずない。英語圏まで含めれば、ほぼすべての機能に誰かの解説がある。 音楽理論や用語の知識も同じで、コードの仕組み、スケール、リズムの基本、EQやコンプレッサーの各つまみの意味は、本と動画で順番に学べる。海外の動画講座は定額で見放題のサービスが多く、年間で1万円台から2万円台程度の出費で膨大な講座に触れられる。国内の動画講座も、セールの時期を選べば1本数千円で手に入ることが多い。この段階でマンツーマンのレッスンに月1万円以上払うのは、正直に言えばかなり割高だと思う。 ここまでの学習は「正解がある」ことが共通点だ。ボタンを押せば音が出る、設定を変えれば結果が変わる。自分で試して確かめられるので、先生がいなくても前に進める。独学で最初の数か月を過ごすのは、まったく遠回りではない。 独学が止まるのは、自分の曲の何が悪いか分からないとき 夜の自宅スタジオ。ひとりで作業していると、自分の音の欠点にはなかなか気づけない。Photo: Mooganic / CC BY 2.0 独学で手が止まる場面は、だいたい決まっている。ひとつは、ループは作れるのに曲として最後まで仕上がらないこと。もうひとつは、完成させた曲がなんとなく素人っぽく聴こえるのに、どこを直せばいいのか分からないことだ。動画を何本見ても、そこに映っているのは他人の曲であって自分の曲ではない。一般論としての「低音を整理しよう」は理解できても、自分の曲のどの楽器のどの帯域が濁っているのかは、教えてもらわないとなかなか分からない。 この状態になると、新しい動画を探してはまた見るという繰り返しに入りやすい。知識は増えているのに、完成した曲の数は増えない。始めた曲は何十個もあるのに、仕上がったのは1曲か2曲という話は珍しくない。締め切りも、聴いてくれる相手もいないので、少しでも気に入らない部分があると次の新しいアイデアに逃げてしまう。私自身も、ここで足踏みする時間がいちばん長かったと感じている。 ここから先は「正解がひとつではない」領域だ。アレンジの判断、ミックスのバランス、どこで曲を終わらせるかといった決め事は、経験のある人が自分の曲を聴いて「ここが原因」と指摘してくれると一気に進む。お金を払う意味が出てくるのは、まさにこの部分だと思う。逆に言えば、操作や知識の段階でつまずいているうちは、スクールに通っても動画と同じ内容を高い値段で教わることになりやすい。 国内オンラインスクールの料金は3つの型に分かれる 国内のオンラインDTMスクールは、料金の払い方で大きく3つに分けられる。2026年10月時点の各スクールの公式サイトの表記をもとに整理すると、次のようになる(価格やキャンペーンは変わることが多いので、申し込む前に必ず最新の表記を確かめてほしい)。 型 例 料金の目安 特徴 コース一括型 スリープフリークス 初級コース11回で118,800円、ミックス・マスタリング12回で151,800円など 全回マンツーマン、レッスンは録画して見返せる 月謝型 島村楽器 PCミュージックコース 月12,925円＋施設費、入会金あり 45分の個人レッスン、年24回の固定 月謝型 JOY MUSIC SCHOOL 月2回13,980円、月4回24,980円 45分の個人レッスン、楽曲添削あり 1回払い型 ABCミュージックスクール 60分4,818円 Zoomで個人レッスン、録画を無料で受け取れる 1回払い型 笠目音楽教室 月1回5,580円から Zoomなどでの個人レッスン、30分の無料体験あり コース一括型は、総額は大きいが回数と内容が最初から決まっているので、ゴールまでの道筋が見えやすい。月謝型は、毎月決まった回数のレッスンが入るぶん、強制的に曲を進める締め切りができるのが利点だ。1回払い型は、必要なときにだけ予約できるので、独学をベースにしながら行き詰まったところだけ相談する使い方に向いている。 どの型でも、オンラインのレッスンはZoomなどの画面共有を使い、講師が自分のDAWの画面を見ながら説明してくれる形が主流になっている。録画を残してくれるスクールなら、レッスンの後に手元で繰り返し確認できるので、1回あたりの価値が大きく変わる。 比べるべきは値段より「添削があるか」と「録画が残るか」 スクールを選ぶとき、つい月謝の安さで比べたくなるが、私は値段より先に2つの点を確認したほうがいいと考えている。ひとつは、自分が作った曲を事前に提出して、講師に聴いてもらう仕組みがあるか。もうひとつは、レッスンの録画やメモが残るかどうかだ。 添削の仕組みがあるスクールでは、レッスンの時間を「自分の曲のどこを直すか」に使える。逆に、その場で操作を教わるだけのレッスンだと、内容が動画講座とあまり変わらなくなってしまう。同じ月1万円でも、毎回自分の曲を聴いてもらえるのか、決まった教材を順番にこなすのかで、得られるものはまったく違う。体験レッスンの段階で「自分の曲を持ち込んで聴いてもらえるか」を聞いてみると、そのスクールの性格がよく分かる。 録画が残るかどうかも、思っている以上に大事だ。ミックスの指摘は、その場では分かったつもりになっても、翌日には細かい数値や手順を忘れてしまう。録画があれば、自分の画面で同じ操作をなぞりながら確認できる。講師との相性も見逃せない。ジャンルの得意不得意は講師によって大きく違うので、自分の作りたい音楽を普段から手がけている人に当たるかどうかで満足度は変わる。多くのスクールに無料か低額の体験レッスンがあるので、契約の前にここを確かめておきたい。 海外では「動画の定額」と「単発の添削」を組み合わせる 機材の前で説明を受ける見学者。人から直接教わると、手順の理由まで伝わりやすい。Photo: W.carter / CC BY-SA 4.0 英語圏の音楽制作の学び方を見ると、知識と添削を分けて買う考え方がはっきりしている。大学レベルの講座をオンラインで無料聴講できる仕組みがあり、動画と読み物は無料で、課題の採点と修了証が欲しい人だけが1講座あたり数十ドルを払う、という形が定着している。大学のオンライン課程は、講師が課題に目を通してくれる代わりに、修了証の取得に数千ドル規模の費用がかかる。知識は安く、人の時間は高い、という値段の付き方がそのまま見える。 ...

曲を作り始めるとき、最初に悩むのは鳴らす音ではなく、手元に何が足りないかだと思う。ドラムを打ち込む根気がない、ベースラインが思いつかない、ミックスの仕上げ方が分からない、録った声の後ろの伴奏だけを抜き出したい。そのたびに別のプラグインを探し、体験版を入れ、ライセンスを管理する。作曲の時間より道具を揃える時間のほうが長くなってしまうのは、宅録をやっている人なら一度は経験があるはずだ。 Logic Pro は、その「足りないもの」を最初から同じ箱に入れて売っている DAW だと考えると分かりやすい。2026年1月に出た Logic Pro 12 で、伴奏を弾いてくれる Session Players に Synth Player が加わり、コードを自動で読み取る Chord ID も入った。9月末には 12.4 まで更新が進んでいる。価格は Mac App Store で3万円の買い切りのままで、買った後のアップデートは追加料金なしで受け取れる。この記事では、Mac 一台と Logic Pro だけで作曲から仕上げまでをどこまで任せられるのかを、機能ごとに整理していく。 3万円の買い切りと、新しく始まったサブスク Mac とオーディオインターフェース、スピーカーが一組あれば、Logic Pro の制作環境はひとまず完成する。Photo: David Podosek from Garden Grove, USA / CC BY 2.0 Logic Pro の値段はずっと3万円で、ここが他の DAW と比べたときにいちばん効いてくる部分だと思う。上位版と下位版の区別がなく、付属する音源やエフェクト、ループ素材もすべて同じ一本に入っている。2013年に Logic Pro X が出てから、10.x、11、12 と大きな更新が何度もあったが、既に買った人が追加で払う場面は一度もなかった。十年以上前に払った3万円で最新版を使い続けている人がいる、というのは DAW の世界ではかなり珍しい。 一方で、2026年からは Apple Creator Studio という月額制のセットも始まった。米国では月12.99ドル、年129ドルで、Logic Pro のほかに Final Cut Pro や Pixelmator Pro、Motion、Compressor、MainStage がまとめて使える。学生と教職員は月2.99ドルに下がる。買い切りの3万円が無くなったわけではなく、二つの入口が並んでいる形になっている。 ...

多くのDAWは、左から右へ時間が流れる一本の帯の上に素材を置いていく。小節1があって、小節2があって、その順番に沿って曲を組み立てる。頭の中にすでに完成形がある人にとっては、これ以上なく素直な設計だと思う。 Ableton Live にも同じ帯はある。アレンジメントビューと呼ばれる画面がそれだ。ただしLiveには、もう一つまったく別の作り方をする画面が用意されている。セッションビューという、縦と横のマス目でできた格子だ。ここには時間軸が無い。小節何番から始まる、という情報を持たないまま、音の断片だけを並べておける場所になっている。 この画面はしばしばライブ演奏のための道具として紹介される。けれど実際に重心が置かれているのは、曲がまだ形になっていない段階の試行錯誤のほうだと感じている。Live 12 のセッションビューが何をする画面なのか、クリップの扱いに絞って見ていく。 縦の列と横の行で、曲が立ち上がる セッションビューの画面構成。縦の列がトラック、横の行がシーンPhoto: Dennis Afraz / CC BY-SA 3.0 セッションビューの格子は、縦の列が1本のトラックに対応している。ドラム、ベース、シンセ、といった具合に楽器ごとに列が立っていて、その列に属するマス目のひとつひとつがクリップスロットになる。ここに置かれた音の断片がクリップで、ひとつの列が同時に鳴らせるクリップはひとつだけという決まりがある。同じトラックの別のマスを押すと、それまで鳴っていたクリップは引っ込んで新しいほうに入れ替わる。この「列はひとつしか鳴らない」という制約が、素材の差し替えをそのまま演奏操作にしている。 横の行はシーンと呼ばれる。ひとつの行に並んだクリップ群をまとめて扱う単位で、画面のいちばん右、メイントラックの列にある再生ボタンを押すと、その行のクリップが全トラックで一斉に走り出す。イントロの行、Aメロの行、サビの行、という具合に行を積んでいけば、曲の構成そのものが縦に並んだ状態になる。行を上から順に押していけば曲を通して聴けるし、途中の行だけを繰り返したり、順番を入れ替えて聴いたりするのも押す場所を変えるだけで済む。 メイントラックの見出し部分は左端をドラッグすると幅が広がり、シーンごとのテンポと拍子を書き込む欄が現れる。テンポは20から999まで、拍子は分子に1から99までを指定できる。つまり行を移動するだけでテンポと拍子が切り替わる構成を作れるわけで、サビだけ少し速くしたいとか、ブリッジだけ拍子を変えたいといった実験を、タイムライン上でテンポカーブを描くことなく試せる。 タイムライン型のDAWと何が違うのか Logic Pro や Cubase、Pro Tools といった従来型のDAWでは、素材を置いた瞬間にそれが何小節目のものかが決まる。順番を変えたければ、リージョンを切って別の位置へ運ぶ必要がある。構成を3通り比べたいなら、3通りぶんのトラックを作るか、別バージョンとして保存して行き来することになる。どの方法も、比較するまでの手数がそれなりに掛かる。 セッションビューには位置情報が無いので、この手数がほぼ消える。ドラムパターンを4種類用意したければ、同じ列の縦に4つ並べて上から順に押せばいい。鳴っているほかのパートはそのままに、ドラムだけが差し替わっていく。良いものが見つかったら、その状態で次のパートの比較に移る。曲を完成させる作業というより、素材を突き合わせて相性を確かめる作業に画面が最適化されている。 もうひとつ、Liveには独立したミキサー画面が無い。従来型のDAWはコンソール卓を模した縦長のチャンネルストリップが並ぶ専用ページを持っていて、ミックス作業はそこへ移動して行う。Liveの場合、音量やパンはトラックの一部として同じ画面に収まっていて、エフェクトはトラックを選んだときに画面下部へ横方向に並ぶ。卓の前に座るという感覚は薄く、代わりに画面の移動が減る。好みは分かれるところで、大規模なミックスでは一覧性の低さが気になる場面もあると思う。 重要なのは、セッションビューとアレンジメントビューが別のプロジェクトではないという点だ。トラックもエフェクトも両方の画面で共有されていて、片方で挿したプラグインはもう片方にも入っている。2つの画面は、同じ曲を違う角度から見ているに過ぎない。 クリップの鳴らし方を決める4つのローンチモード 格子状のパッドは画面のクリップスロットにそのまま対応するPhoto: Gilda from London, UK / CC BY-SA 2.0 クリップを選んで画面下のクリップビューを開くと、ローンチという欄がある。ここでそのクリップの鳴り方を個別に決められる。モードは4つ用意されていて、トリガーは押した瞬間に再生が始まり、離しても止まらない。ゲートは押している間だけ鳴って、離すと止まる。トグルは押すたびに再生と停止が交互に入れ替わる。リピートは押している間、後述する量子化の間隔でクリップが繰り返し頭から鳴り直す。 同じ欄にレガートという設定もある。これを有効にしたクリップは、直前にそのトラックで鳴っていたクリップの再生位置を引き継ぐ。頭から鳴り直さないので、メロディの異なるバリエーションを次々に差し替えても、小節内の位置がずれない。素材の長さや内容が大きく違う場合に音が途切れることがあり、その対策としてクリップをメモリ上に展開する設定が別に用意されている。ベロシティ欄では、MIDIノートの強さがクリップ全体の音量にどれだけ影響するかを0%から100%の間で調整できる。 もうひとつ押さえておきたいのが量子化だ。マス目を押した瞬間にクリップが鳴り出すと、手で押している以上どうしてもタイミングがずれる。そこでLiveは、押された操作を次の区切りまで待ってから実行する。画面上部のコントロールバーにあるグローバル量子化が全体の既定値で、クリップごとに別の値を割り当てることもできる。1小節、2拍、16分音符といった間隔のほか、待たずに即座に鳴らす「None」も選べる。全体の設定はキーボードの数字キーとの組み合わせで素早く切り替えられるので、構成を大きく動かすときは1小節、細かい刻みを入れたいときは16分、という使い分けが手元で完結する。 フォローアクションが、並べたクリップを勝手に回す セッションビューでいちばん特徴的な機能を挙げるなら、フォローアクションだと思う。クリップが鳴り終わったあと、次にどのクリップへ移るかをあらかじめ指定しておく仕組みで、従来型のDAWには対応する概念が無い。クリップスロットという格子構造を持つ画面だからこそ成立する機能だからだ。 指定できる動作は10種類ある。何もしない、停止、もう一度同じクリップを鳴らす、ひとつ前のクリップへ、次のクリップへ、グループの先頭へ、グループの末尾へ、グループ内から無作為に選ぶ、無作為だが直前と同じものは選ばない、そして特定のスロットやシーンを名指しで指定する、という並びだ。「次のクリップへ」を指定したクリップを縦に積んでおけば、押しっぱなしにしなくても素材が順に流れていく。無作為に選ぶ動作を使えば、同じ素材の並びから毎回違う組み合わせが出てくる。 Live 12 ではこれがひとつのクリップにつき2つまで設定でき、それぞれに0%から100%の確率を割り当てられる。8割の確率で次へ進み、2割の確率で頭に戻る、といった分岐が作れるわけだ。フォローアクションが設定されたクリップは、再生ボタンに縞模様が付いて見分けられるようになっている。発動のタイミングは2通りあり、既定ではそのシーンでいちばん長いクリップが鳴り終わるのを待つ。もうひとつは待ち時間を小節・拍・16分の単位で直接指定する方式で、クリップの長さと無関係な周期で動かしたいときに使う。設定した動作を一括で止める全体スイッチも用意されていて、組み上げた構成をそのまま聴き直したいときに重宝する。 この機能を使うと、セッションビューは半分自動で回り続ける仕掛けになる。素材を並べて走らせておき、出てきた組み合わせを聴きながら手を入れる。曲を書くというより、曲が出てくる条件を整える作業に近い感覚がある。 ワープとローンチ量子化は別の仕事をしている クリップの起動とシーン送りを手元に割り当てた操作卓Photo: Eric Wahlforss from Berlin, Germany / CC BY 2.0 テンポの違う素材を並べても成立するのは、Liveがオーディオクリップを曲のテンポに合わせて伸縮させているからだ。この処理がワープで、素材の性質に応じて6つのモードが選べる。ビーツはドラムなど打楽器向けで、音の立ち上がりを保ったまま間隔だけを詰めたり伸ばしたりする。トーンズは歌や単音楽器のように音程がはっきりした素材向け、テクスチャーはパッドや環境音のように音程の輪郭が薄い素材向けで、粒の大きさと揺らぎを手で調整できる。 リピッチはレコードの回転数を変えるのと同じ振る舞いで、速度を上げれば音程も上がる。移調の操作は無効になる代わりに、アナログ的な質感が得られる。コンプレックスとコンプレックスProは、曲まるごとのように複数の要素が混ざった素材向けだ。とくにコンプレックスProにはフォルマントという設定があり、これを高くしておくと声の質感を保ったまま速度だけを変えられる。歌を扱うなら最初に触っておきたい項目だと思う。 ここで混同しやすいのが、ワープと前の節で触れた量子化の関係だ。この2つはまったく別の仕事をしている。ワープは、クリップが鳴っている間に中身をどう伸縮させるかを決める。量子化は、クリップがいつ鳴り始めるかを決める。16分で量子化したクリップでも中身はビーツモードのまま、という組み合わせは普通に成立するし、むしろそれが通常の状態になる。片方だけを直しても望んだ結果にならないときは、どちらの話をしているのかを切り分けると早い。 セッションで試し、アレンジメントに刻む ノートパソコン1台とコントローラーで完結する作業机Photo: Mickey Destro / CC BY-SA 2.0 セッションビューで組み合わせが決まったら、それを曲として固定する段階に移る。ここで使うのが、セッションでの操作をそのままアレンジメントビューに書き取る機能だ。Shiftを押しながら録音ボタンを押すと、Liveは最初のクリップが起動されるまで待ってから記録を始める。記録されるのは鳴らしたクリップだけではない。クリップの設定変更、ミキサーやエフェクトのつまみの動き、テンポと拍子の変更まで、その間に起きた操作が一式タイムライン上に落ちる。 ...