DTM

DAWで打ち込みをしていると、いずれ「自分の手で鍵盤を弾けたほうが早い」という場面にぶつかる。コード進行を確かめるにも、メロディのアイデアを試すにも、鍵盤に触れられたほうが圧倒的に手数が増える。そこで選択肢に挙がるのが、Simply Piano、Skoove、flowkeyといったスマホ・タブレット向けのピアノ練習アプリだ。 3つとも年額1.5〜2万円台というだいたい同じ価格帯に収まっているが、中身は似ているようでかなり違う。音をどうやって判定しているか、楽譜をどう見せるか、そして「正しく弾くまで待ってくれるか」という機能の有無が、続けやすさを大きく左右する。この3つを軸に、DTMでの打ち込みに鍵盤感覚を活かしたい人向けに整理していく。 音の判定方法 — マイクか、MIDIか 練習アプリの判定精度は、内蔵マイクで聴き取るか、MIDI接続で直接信号を受け取るかで変わる Photo: Morn / CC BY-SA 4.0 3つのアプリはいずれも、弾いた音をリアルタイムで聴き取り、合っているかどうかを判定しながら進む仕組みを持っている。ただし、その判定方法には違いがある。 Simply Piano は「MusicSense」という独自の音響認識エンジンでマイク入力を解析する方式が基本で、MIDI対応の電子ピアノやキーボードを接続すると、判定精度がほぼ100%まで引き上げられる。Skoove は端末のマイクで音を拾うAI判定が中心で、MIDI接続についてはアプリ側の対応状況を確認しておきたいところだ。flowkey はマイクとMIDI/Bluetooth接続の両方に対応しており、手持ちの電子ピアノやキーボードをケーブルやBluetooth MIDIでつなげば、周囲の生活音に判定が乱されにくくなる。 マイク判定はどのアプリでも手軽だが、部屋の反響や周囲の音に影響されやすい。生活音の多い部屋や、楽器以外にも音が鳴っている環境では、意図した音を正しく押さえていても誤判定が出ることがあり、そのたびに練習のリズムが崩れてしまう。すでにMIDI出力のある電子ピアノやキーボードを持っているなら、MIDI接続に対応したアプリを選ぶほうが、ストレスなく練習を続けやすいと思う。 逆に言えば、まだ鍵盤楽器を持っていない段階で試すなら、マイク判定だけで完結するアプリのほうが導入のハードルは低い。スマホ一台と、画面に表示される鍵盤図、あるいは手持ちの小さなキーボードさえあれば始められるので、「まず続けられるかどうかを試したい」という最初の数週間には向いている。本格的に打ち込みへ活かしたくなった段階で、MIDI対応のモデルに買い替えてアプリ側の設定を見直す、という2段階の進め方も現実的だ。 楽譜の出し方 — 五線譜か、鍵盤ハイライトか 五線譜を正面から見せるか、鍵盤の位置をそのまま示すかでアプリの性格が分かれる Photo: Pianomangeorge / CC BY-SA 4.0 楽譜の見せ方も、3つのアプリでアプローチがかなり違う。flowkey は画面を上下に分割し、上に実際のピアニストが弾く手元の映像、下に五線譜を同時に表示する構成で、曲のアレンジそのものを本格的な譜面で追いたい人向けに作られている。Skoove は五線譜とビジュアルフィードバックを組み合わせ、レッスンの初日から譜読みに慣れさせる設計になっている。 Simply Piano は、五線譜の読譜力そのものよりも、ゲーム感覚で続けられることを重視した見せ方で、クラシックから現代のポップス、ディズニー作品の楽曲まで、ゲーミフィケーションされた譜面で進んでいく。五線譜をきちんと読めるようになりたいのか、とにかく挫折せず弾けるようになりたいのかで、向いているアプリが変わってくる。 DTMでの打ち込みを見据えるなら、五線譜をきちんと追えるflowkeyやSkooveのほうが、後々コード譜やアレンジ譜を読む場面で応用が利きやすい。一方で、とにかく毎日続ける習慣を作りたい段階では、Simply Pianoのゲーム的な進め方のほうが挫折しにくいかもしれない。 待ってくれるモードの有無 正しい音を弾くまで曲が先に進まない「待ってくれるモード」は、独学の挫折を防ぐ重要な機能 Photo: Scott Ritchie / CC BY 2.0 独学でいちばん挫折しやすいのが、「曲のテンポについていけず、間違った音のまま先に進んでしまう」場面だ。この点で明確な差があるのが flowkey の「Wait Mode」で、正しい音を弾くまで曲の進行が自動で一時停止し、自分のペースで一音ずつ確実に押さえていける。初心者がまず正確な指使いを身につける段階では、この機能の有無がかなり大きい。 Simply Piano と Skoove については、同様の名称を持つ専用機能は今回の調査では確認できなかった。両アプリともテンポを落として練習するモードは備えているはずだが、「間違えたら待ってくれる」という挙動まで含めて厳密に同じかどうかは、実際にアプリを触って確認したほうが確実だ。正確な指使いをじっくり身につけたい人は、この機能の有無を基準に選ぶといいと思う。 料金プランとジャンルの傾向 3つとも年額契約が基本で、Simply Piano は年額119〜150ドル程度、Skoove は年額149.99ドル、flowkey は通常年額119.88ドル程度(複数年プランの割引が使えることもある)という水準だ。為替レートによって日本円の負担感は変わるが、おおむね月1,500〜2,000円前後の感覚になる。いずれも無料で一部のレッスンを試せる期間が用意されていることが多いので、契約前に実際の判定精度や操作感を確かめておきたい。 対応するレッスン曲のジャンルにも違いがある。Skoove はクラシックからジャズ、ポップス、アニメ・映画音楽まで800曲以上を揃えており、幅広いジャンルを試したい人に向いている。flowkey はクラシック、ポップス、ロック、映画・TV音楽を中心に、原曲に近いアレンジで弾ける曲が多い。Simply Piano はクラシックと現代的なポップス、ディズニー作品が中心で、誰もが知っている曲を弾けるようになる楽しさを重視した選曲になっている。 まとめ アプリ 年額の目安 判定方法 待ってくれるモード 曲のジャンル傾向 Simply Piano $119〜150 マイク(MIDI接続で高精度) 未確認 クラシック・ポップス・ディズニー Skoove $149.99 マイク(AI判定) 未確認 クラシック・ジャズ・ポップス等800曲以上 flowkey $119.88前後 マイク+MIDI/Bluetooth Wait Mode対応 クラシック・ポップス・ロック・映画音楽 3か月続けるための配分 3か月という期間で考えるなら、最初の1か月は判定精度が高く挫折しにくいアプリで「毎日触る習慣」を作ることを優先したい。MIDI対応の電子ピアノを持っているなら、最初からflowkeyでWait Modeを使いながら正確な指使いを固めるのも手だ。 ...

Universal AudioのVoltシリーズは、同社の伝統的なスタジオ機材のサウンドを手頃なUSBオーディオインターフェイスの形に落とし込んだ製品群として広く知られています。その中でも上位に位置するVolt 276は、上位機種譲りのアナログ回路をコンパクトな筐体に凝縮している点が大きな特徴です。近年のデスクトップミュージックや自宅からの配信、あるいは本格的なボーカルレコーディングに至るまで、音の質感にこだわりたいクリエイターの間で高い評価を得ています。 Universal Audio Volt 276 Amazonで見る → スタジオの機材環境とオーディオインターフェイスの組み合わせ Photo: Fritz CLEON / CC BY-SA 2.0 76コンプレッサーの実力と音楽的な恩恵 Volt 276の最大の見どころは、何といってもパネル面に搭載された「76 Compressor」です。これは同社の名機である1176リミッターアンプをベースにしたアナログ回路であり、ボーカル、ギター、シンセサイザーなどの音源に対し、ハードウェアならではの自然なまとまりと密度感を与えてくれます。ソフトウェアのプラグインで後からコンプレッサーをかけるのとは異なり、入力段階でハードウェアのアナログコンプを通すことで、ピークを音楽的に抑えつつ音に太さを加えることができます。 特に宅録の現場では、ボーカルのダイナミクスが大きく暴れてしまい、ミックス時に処理に苦労することが少なくありません。しかし、このハードウェアコンプレッサーを適切なプリセット（Voc、Gtr、Fast、Offなど）に設定して録音を行うことで、収録の段階で声の芯がしっかりと座り、後段のプラグイン処理の負担を的確に軽減させることが可能になります。この即効性こそが、実機のアナログ回路を持つオーディオインターフェイスを選ぶ最大の醍醐味と言えます。ボーカルだけでなく、アコースティックギターの粒立ちを揃えたり、ベースの低音をグッと引き締めたりする際にも、この76コンプは非常に頼もしい存在となります。 真空管サウンドを模したVintageモードのニュアンス もう一つの目玉機能が「Vintage Mic Preampモード」です。これはUniversal Audioの伝説的な真空管プリアンプ「610」のサウンドキャラクターをエミュレートする回路であり、オンにすると中低域に心地よい温かみと絶妙なサチュレーションが加わります。デジタルで処理された無機質なサウンドに慣れ親しんだ耳には、このアナログライクな艶めかしさが非常に新鮮に響きます。 アコースティックギターの録音や、ボーカルのテイクに少し立体感を持たせたいときにこのモードを有効にすると、高域のトゲが適度に丸まり、ミックス全体に馴染みやすい音に仕上がります。実際に試してみると、過激に歪むわけではなく、音の輪郭を太くしながら前に押し出してくれる絶妙なチューニングであることが分かります。ジャンルを問わず、音に温かみを求めたいシチュエーションで常にオンにしておきたくなる魅力を持っています。特にマイクプリのゲインを少し高めに設定したときの、空気感がフワッと膨らむような挙動は特筆すべきものがあります。 高品位なAD/DAコンバーターと内部アーキテクチャ オーディオインターフェイスの心臓部であるAD/DAコンバーターには、最大24bit/192kHzのハイレゾ音源に対応した高品位な回路が採用されています。これにより、入力されたアナログ信号の微細なニュアンスや、空間の残響成分を余すところなくデジタルデータへと変換することが可能です。また、再生時においても、モニター環境の解像度がしっかりと確保されているため、DAW内のパンニングやリバーブの奥行きを正確に聴き分けることができます。 低価格帯のオーディオインターフェイスにありがちな「音がこもる」「高域が刺さる」といったストレスが極めて少なく、長時間の作業でも耳が疲労しにくいクリアな音質設計がなされています。モニターコントローラーとしての基本性能が非常に高いため、作曲やアレンジメントだけでなく、シリアスなミックスダウンの作業においても十分な信頼性を置くことができます。 モバイル環境とUSBバスパワー駆動の安定性 近年の音楽制作や配信スタイルにおいて、モバイルノートパソコンと組み合わせて様々な場所で作業を行うケースが増えています。Volt 276は基本としてUSBバスパワー駆動に対応しており、別途ACアダプターを持ち歩かなくても、パソコンからの給電だけで安定して動作します。外出先のカフェやスタジオ、あるいは旅行先での急な楽曲修正などにおいても、機動力を損なうことなくプロフェッショナルな録音環境を展開できるのは大きなメリットです。 また、もし電源供給が不安定な環境や、iPadなどのモバイル端末と接続して長時間使用する場合には、付属の5VDC電源端子を用いて外部からしっかりと電源を供給することも可能です。このように、モバイルでの手軽さと据え置きでの安定性を高い次元で両立している点も、多くのユーザーから支持を集めている理由の一つとなっています。 入出力とデスクトップ環境における実用性 筐体は頑丈なメタル製で作られており、机の上に置いたときの安定感はもちろん、ノブのトルク感やプッシュスイッチのクリック感もしっかりとした手応えがあります。2イン/2アウトの構成は、マイクとエレキギターを同時に接続して弾き語りを録音したり、ステレオのシンセサイザーやキーボードを繋いだりするのに過不足のない仕様です。背面にはMIDI入出力端子も備わっており、古いシンセサイザーやハードウェア音源との統合もスムーズに行えます。 また、ダイレクトモニタリング機能も備わっており、DAW側のバッファサイズに起因するレイテンシー（遅延）を一切気にせず、快適にモニタリングしながら演奏に没頭できます。複雑で難解なソフトウェアミキサーを立ち上げなくても、本体の物理的なボタンとノブだけで直感的に音作りが完結する点は、音楽制作のプロセスをよりスムーズにしてくれます。ヘッドホンアンプの出力も余裕があり、インピーダンスの高いモニターヘッドホンでも歪むことなくしっかりとドライブしてくれます。 他のVoltシリーズモデルとの違いと選び方 Voltシリーズには、1チャンネル仕様のエントリーモデルであるVolt 1や176、そしてより多チャンネルなVolt 4や476など、いくつかのバリエーションが存在します。その中でVolt 276を選ぶべき理由は、2つのマイク/ライン入力を備えつつ、それぞれに強力な76コンプレッサーとVintageプリアンプをフル装備している点にあります。 例えば、ギターとボーカリストが同時にマイクを立てて演奏する場合や、ステレオソースを取り扱う場合において、両方のチャンネルでアナログコンプの恩恵を受けられるのは非常に強力です。単に音の入出力数だけで選ぶのではなく、「ハードウェアのコンプレッサーを複数チャンネルでどのように活用したいか」という制作スタイルが、このモデルを選択する決定打となります。 バンドルされるソフトウェア群の充実度 ハードウェアとしての魅力にとどまらず、Volt 276には音楽制作をすぐに始められる豊富なバンドルソフトウェアが付属しています。Ableton Live Liteといった定番DAWをはじめ、Marshallのギターアンプシミュレーター、Softubeのプラグイン、さらにはMelodyne Essentialなどが含まれており、購入したその日からプロフェッショナルな制作環境を構築することができます。 特に初心者や、これから宅録環境を本格的にグレードアップさせたい人にとって、これらの実用的なプラグインが最初から揃っていることは大きな強みです。追加の出費を抑えながら、即戦力となる音作りを学ぶことができるため、コストパフォーマンスの面でも非常に優れたパッケージと言えます。 まとめと選び方の基準 数あるUSBオーディオインターフェイスの中でも、Universal Audio Volt 276は「単に音をパソコンに取り込むためだけの機械」ではなく、「録音の段階でサウンドにキャラクターを付加できるツール」として明確な強みを持っています。76系コンプやVintageプリアンプといったアナログ回路の恩恵は、宅録のクオリティをワンランク引き上げてくれる確かな手応えがあります。自宅での音楽制作や配信の質を高めたいと考えているすべての人にとって、非常に有力な選択肢となる一台です。 関連記事 GitHub Pages で技術・理論記事を読む はてなブログ版はこちら note版はこちら Amebaブログ版はこちら

プロフェッショナルから熱狂的な宅録ユーザーまで、数多くの音楽制作現場で「絶対に信頼できるオーディオインターフェイス」として名前が挙がるRMEのBabyface Pro FS。長年にわたって磨き上げられてきた堅牢なドライバ設計と、独自のクロック技術であるSteadyClock FSを搭載したこのモデルは、デスクトップオーディオのベンチマーク的存在として君臨し続けています。 RME Babyface Pro FS Amazonで見る → プロフェッショナル向けオーディオ機器の接続イメージ Photo: Musicproducer / CC BY-SA 4.0 妥協なきドライバ安定性と低レイテンシー RMEというブランドを語る上で絶対に外せないのが、自社開発による極めて安定性の高いドライバ群です。多くのメーカーがサードパーティ製のオーディオドライバコアに依存する中、RMEはウィンドウズおよびマックの双方において自社オリジナルのドライバをゼロから構築し、最適化し続けています。これにより、極限まで低いバッファサイズ（レイテンシー）に設定しても、プチノイズや突然のドロップアウトが発生しにくい抜群の安定性を誇ります。 音楽制作において、演奏時の遅延や予期せぬオーディオの停止は制作意欲を削ぐ最大のストレス要因です。Babyface Pro FSであれば、何十トラックもプラグインを挿した重いプロジェクトファイルを開いている状態であっても、システム全体が揺らぐことなくスムーズに駆動し続けます。「安定していること」そのものが、クリエイターにとって何よりも価値のあるクリエイティブ環境の土台となるのです。他社製インターフェイスでブルースクリーンやドライバクラッシュに悩まされた経験を持つプロフェッショナルほど、RMEの揺るぎない安定性に絶大な信頼を寄せています。 SteadyClock FSがもたらす極上の音響空間 本機の名前に冠されている「FS」とは、フェムト秒（1000兆分の1秒）という超高精度なジッター抑制を実現した「SteadyClock FS」を指しています。デジタルオーディオにおいて、クロック信号の揺らぎ（ジッター）は音の定位感や高域の透明感に悪影響を与えますが、RMEはこのクロック回路の精度を極限まで高めることで、アナログ回路本来のポテンシャルを余すところなく引き出しています。 実際にこのインターフェイスを通して音を聴くと、左右のパンニングの定位が驚くほどカチッと定まり、リバーブの減衰音の微細なニュアンスまでがクリアに聞き取れることに気づきます。音が濁らず、空間の広がりや奥行きが手に取るようにわかるため、シビアなイコライジングやミックスバランスの判断ミスを大幅に減らすことができます。聴感上の解像度の高さは、単なるスペック上の数値以上の説得力を持ち合わせています。外部のマスタークロックジェネレーターを追加せずとも、内蔵クロックだけで最高峰の精度を実現している点は、モバイル環境やシンプルなセットアップにおいて計り知れないメリットとなります。 高性能マイクプリアンプと優れたゲイン特性 入力段に採用されているマイクプリアンプは、最大75dBという非常に広いゲインレンジを備えており、出力の低いダイナミックマイクや繊細なビンテージ・リボンマイクであっても、ノイズを気にすることなく十分に駆動させることができます。等価入力雑音（EIN）の数値も極めて低く抑えられており、ゲインを上げた際にもサーというホワイトノイズが目立ちません。 原音の持ち味を一切損なうことなく、極めてフラットかつ透明感のあるサウンドでキャプチャーしてくれるため、後段でのEQ処理やコンプレッションの自由度が飛躍的に向上します。どんな音源を入力しても破綻せず、ソースの魅力をそのまま忠実に引き出してくれるこのプリアンプの懐の深さは、プロの現場で長年愛され続けている大きな理由の一つです。 独立した2系統のヘッドホン出力と優れた駆動力 フロントパネルに配置されたヘッドホン出力は、3.5mmのミニジャックと6.3mmの標準ジャックの2系統が独立して用意されています。異なるインピーダンスを持つヘッドホンやイヤホンを同時に接続して使い分けることが可能であり、スタジオでのモニター作業において非常に実用的です。 さらに、オペアンプの駆動力が非常に高いため、高インピーダンスのプロフェッショナル向けモニターヘッドホンであっても余裕をもって鳴らしきることができます。出力端子ごとのインピーダンス最適化により、低域がぼやけることなくタイトに引き締まった正確なモニタリングを実現しています。 アルミニウム削り出しの堅牢な筐体と優れた携帯性 Babyface Pro FSの美しいアルミニウム削り出しの筐体は、見た目の高級感だけでなく、ライブステージや移動の多いクリエイターのバッグの中でもビクともしない圧倒的な堅牢性を備えています。突起物を極力排したシンメトリーなデザインは、ケーブルの脱着や機材ケースへの収納をスムーズにしてくれます。 本体のサイズ感からは想像できないほど入出力も充実しており、本体側面のXLR入出力に加えて、光デジタル（ADAT/SPDIF）端子を利用すれば最大12イン/12アウトまでの拡張が可能です。モバイル環境での手軽なレコーディングから、スタジオでの本格的なマルチトラック収録まで、これ一台で完結してしまう対応力の広さは特筆すべきものがあります。電源についてもUSBバスパワー駆動に対応しているため、外出先でも専用の電源アダプターを忘れる心配がありません。 TotalMix FXによる柔軟なルーティング制御 RME製品のもう一つの強力な武器が、ハードウェアベースのミキサー＆ルーターである「TotalMix FX」です。すべての入力ソースを任意の出力へ自由自在にアサインできるこのソフトウェアミキサーは、一般的なオーディオインターフェイスの概念を覆すほどの高い柔軟性を誇ります。 ゼロレイテンシーでのハードウェアモニタリングはもちろん、配信時のループバック設定や、複数のモニター環境の切り替えなどもワンタッチで構築できます。一見すると多機能ゆえに複雑に見えますが、一度ルーティングの仕組みを理解すれば、どのような特殊な接続要求や配信トラブルにも完璧に対応できる最強のツールとなります。ハードウェアDSPを内蔵しており、DAWに負荷をかけることなく各入力チャンネルにEQやリバーブをかけてモニターできる点も、ボーカリストのモチベーションを高める上で非常に効果的です。 長期的なファームウェアサポートとクラスコンプライアント対応 RMEが多くのユーザーから絶大な支持を得ている理由の一つに、製品の発売後も長年にわたって行われる手厚いファームウェアアップデートとドライバの継続的なサポート体制があります。OSの大型アップデートや新しい規格の登場に対しても迅速かつ確実に対応してくれるため、「買ったはいいが数年でサポートが終了して使えなくなる」というリスクが極めて低いです。 また、本機は「クラスコンプライアント・モード」にも対応しており、スイッチ一つでiPadやiPhoneなどのiOSデバイスと直結して高品質なモバイルレコーディングシステムを構築することができます。スタジオのメインデスクから移動先のモバイル環境まで、あらゆるシチュエーションで一貫したプロ品質のサウンドを提供してくれる点が、本機の最大の強みと言えます。 まとめ：プロが選び続ける確かな理由と長期的な価値 初期投資の金額こそ決して安価ではないものの、Babyface Pro FSがもたらす圧倒的な信頼性、一切妥協のない高音質、そして将来にわたって長く使い続けられるドライバサポートの安心感を考慮すれば、この機材は音楽制作を行う上で極めて費用対効果の高い選択肢となります。日々の作曲やミキシング、そしてライブや配信に至るまで、制作のすべてのフェーズにおいて、アーティストの音楽的なインスピレーションを微塵も損なうことのない極めてスムーズでストレスフリーなワークフローを実現してくれる最高のマスターピースです。優れた機材選びがクリエイティビティをどれほど解放してくれるのかを、このBabyface Pro FSは高次元で体現してくれており、究極の音楽制作環境を構築するための必須アイテムとして、今後も多くのクリエイターたちに長く愛され続けることでしょう。 関連記事 GitHub Pages で技術・理論記事を読む はてなブログ版はこちら note版はこちら Amebaブログ版はこちら

歌やナレーションを録って、ヘッドホンで聴き返したときに「サー」という音が底に敷かれていることに気づく。エアコンを止めても消えない。原因をたどると、足元の制作PCのファンだった、というのは宅録ではよくある話だと思う。部屋が静かになる冬の夜ほど、この音はよく目立つ。 PCを静かにする方法を調べると、たいてい静音ケースや静音ファンの話から始まる。もちろん効果はあるのだが、録音に入るノイズの量で並べ直すと、お金のかからない対策のほうが先に来ることが多い。この記事では、マイクに届くファンの音を減らす手段を、効き目の大きい順・費用の小さい順に並べていく。最後にケースの話をするのは、それが一番最後でよいことが多いからだ。 録音に入る音は、PCの音量とマイクの拾い方の両方で決まる タワー型のケースは前面と側面に吸気口があり、ファンの音はそこから漏れてくるPhoto: Dmitry Makeev / CC BY-SA 4.0 まず目安になる数字を並べておく。夜の寝室の静けさはおよそ25〜30dB(A)で、手を入れていない一般的なデスクトップPCは、アイドル時でも1m離れた位置で30〜40dB(A)ほど出ていることが多い。つまり、ふつうのPCは部屋の静けさより一段大きい音を出している。静音を意識して部品を選び、ファンの回転を抑えたPCなら、アイドル時に20dB台の半ばまで下げられる。ここまで来ると、部屋の暗騒音とほとんど区別がつかなくなる。 ただ、録音で問題になるのはPCそのものの音量ではなく、マイクに届いた声とファンの音の比率だ。声が大きく入ってファンが小さく入れば、ファンの音はミックスの中で埋もれる。逆に、PCが静かでも、マイクを口から離して感度を上げれば、わずかなファンの音も一緒に持ち上がる。だから対策は2方向に分かれる。PCが出す音を減らすことと、マイクがその音を拾いにくくすることだ。 先に後者から片づけたい理由は単純で、マイクの向きと位置を変えるのにはお金がかからないうえ、効果がPC側の対策と同じくらい大きいからだ。 最初にやるのはマイクの向き、背中の「死角」をPCに向ける 単一指向性のマイクは、正面の音をよく拾い、横や後ろからの音を弱めて拾う。どの角度でどれだけ弱まるかは指向性の種類で決まっていて、ファンの音を避けるにはこの形を知っておくと役に立つ。 いちばん一般的なカーディオイドは、真横（90度）で正面より約6dB下がり、真後ろ（180度）で感度がほぼゼロになる形をしている。理屈の上では真後ろが完全な死角で、市販のマイクでも真後ろは正面より15〜25dBほど低く収まることが多い。カーディオイドのマイクなら、マイクの背中を真っすぐPCに向けるのが正解になる。 一方、スーパーカーディオイドやハイパーカーディオイドは、正面の拾う範囲がより狭いかわりに、真後ろに小さな「拾う領域」が残っている。死角は真後ろではなく斜め後ろにあって、スーパーカーディオイドでおよそ126度、ハイパーカーディオイドでおよそ110度の方向になる。真後ろの感度は、スーパーカーディオイドで約12dB、ハイパーカーディオイドで約6dB下がる程度だ。この種類のマイクで背中をPCに向けると、かえってファンの音を拾ってしまう。PCを斜め後ろに置くようにマイクを振るほうがよい。ダイナミックマイクの配信向けモデルにはこのタイプが多いので、仕様表で指向性を一度確かめておきたい。 もうひとつ大きいのが口とマイクの距離だ。声とファンの比率は、口に近づくほど声の側に傾く。ダイナミックマイクが宅録の雑音に強いと言われるのは、感度が低いぶん口元5〜10cmほどまで寄せて使う前提になっていて、結果として声の割合が大きくなるからだと思う。コンデンサーマイクを20〜30cm離して使うと、部屋の音もファンの音も素直に入ってくる。コンデンサーで録りたい場合でも、距離を半分にして入力ゲインを下げるだけで、ファンの割合はかなり減る。 距離を倍にすると6dB、ただし部屋の反射が上限を決める 背面には映像出力とUSBが集まる。PCを離して置くと、ここから伸びるケーブルの長さが問題になるPhoto: Dmitry Makeev / CC BY-SA 4.0 音は、障害物のない空間では距離が倍になるごとに約6dB小さくなる。マイクから50cmのところにあったPCを1mに離せば6dB、2mなら12dB下がる計算だ。ファンを交換して数dB下げるのと比べると、置き場所を変えるだけでそれ以上の差が出ることがある。 ただし、この法則がそのまま成り立つのは反射の少ない空間だけだ。ふつうの部屋では、壁や床、机の天板で跳ね返った音が部屋中に回っていて、ある距離から先は離しても音量があまり下がらなくなる。直接届く音と反射して回ってくる音が同じ大きさになる距離を臨界距離と呼び、硬い壁に囲まれた狭い部屋ほどこの距離は短い。6畳の部屋の中でPCの位置を動かしても、離した効果が途中で頭打ちになるのはこのためだ。 それでも、部屋の中でできることはある。いちばん効くのは、PCとマイクのあいだに「遮るもの」を置くことだ。机の上に置いていたPCを机の下に降ろし、天板がマイクとPCのあいだに入るようにするだけで、直接届く音はかなり減る。PCの吸気口や排気口がマイクのほうを向かないよう、ケースの向きを90度回すのも効く。ファンの音は開口部から出ていくので、正面の吸気や背面の排気がどちらを向いているかで、マイクに届く量が変わる。 振動にも気を配りたい。PCを机の上に置くと、ファンや電源の細かな振動が天板に伝わり、同じ机にクランプしたマイクアームを通じてマイクまで届くことがある。この経路だと低い「ブーン」という音になり、ノイズ除去でも取りにくい。PCを床に降ろし、柔らかいシリコン製の脚やゴムのインシュレーターを挟めば、振動の多くを切り離せる。ただ、毛足の長いカーペットの上に直に置くと、底面の吸気口がふさがって温度が上がるので、板を一枚敷いてからにしたほうがよい。 別室に置くなら、ケーブルの長さが上限を決める 部屋の外にPCを出してしまえれば、壁一枚ぶんの遮音が手に入る。スタジオで機材室を分けるのと同じ考え方で、ファンの音の問題はこれでほぼ片づく。押し入れや隣の部屋にPCを置き、モニターとキーボード、マウス、オーディオインターフェースだけを手元に残す形だ。 この場合に問題になるのはケーブルの長さだ。USBの規格では、USB 2.0のケーブルは5mまで、USB 3.xの受動ケーブルはおおむね3mまでが目安になっている。多くのオーディオインターフェースはUSB 2.0で動くので、5m以内に収まればふつうのケーブルで足りる。それより長くするなら、中に信号を中継する回路を持ったアクティブ延長ケーブルを使う。USB 2.0なら10〜20m程度の製品が一般的で、LANケーブルや光ファイバーで延ばす延長器を使えば、さらに遠くまで届く。ただ、アクティブ延長ケーブルとオーディオインターフェースの相性は製品ごとに差があるので、録音の本番前に長時間の再生と録音で途切れないかを確かめておくと安心だ。 映像は、HDMIやDisplayPortの銅線ケーブルが長くなると映らなくなったり、ちらついたりする。10mを超えるような距離なら、中身が光ファイバーになっているアクティブ光ケーブル（AOC）を選ぶ。こちらは数十mの製品もあり、細くて取り回しもよい。映像とUSBをまとめて1本のLANケーブルや光ファイバーで送るKVMエクステンダーという機器もあり、PCを本格的に別室に置くならこれが一番すっきりする。 押し入れやラックの中にPCを入れるときは熱に注意したい。扉を閉め切った狭い空間では、PCが吐いた暖かい空気がそのまま吸気に戻り、温度が上がってファンがかえって高回転で回り続ける。扉を少し開けておく、ガラリ戸のように空気が抜ける扉にする、空間の上下に通気の経路を作るといった工夫をして、PCの温度を一度確かめておくとよい。 録音のあいだだけ、回っているファンを止める 小さなファンは同じ風量を出すために速く回る必要があり、そのぶん高い音が出やすいPhoto: Mkhan4793 / CC BY-SA 3.0 置き場所を変えられないなら、次はPCの中で回っているものを減らす。録音中のPCは、DAWで数本のトラックを再生しながら1本を録っているだけのことが多く、負荷はそれほど高くない。それなのにファンが回っているのは、設定がその負荷に合っていないからということがよくある。 まず手を付けたいのはファンの回転数の設定だ。マザーボードのBIOS（UEFI）には温度に応じたファンの回転カーブを設定する画面があり、初期値は安全側に寄せて、少し温度が上がるとすぐ回転を上げるようになっていることが多い。CPUの温度が50℃前後までは低い回転のまま据え置き、そこから緩やかに上げていくカーブにするだけで、録音中のような軽い負荷ではファンの音がかなり下がる。Windowsなら「FanControl」という無料のソフトで、CPUやケースのファンに加えてグラフィックボードのファンまで一つの画面でカーブを決められる。BIOSの設定はマザーボードの温度しか見られないので、両方をそろえて管理したいときに便利だ。 グラフィックボードは、最近のモデルなら負荷が軽いあいだファンが完全に止まる機能を持っているものが多い。メーカーによって呼び方は違うが、だいたい50〜60℃を下回るとファンが止まり、ヒートシンクだけで冷やす仕組みだ。DAWの画面を表示しているだけならこの範囲に収まるので、録音中はほぼ無音になる。この機能が切れていないか、ユーティリティの設定を一度見ておきたい。 電源ユニットにも、負荷が軽いあいだファンを止めるセミファンレスのモデルがある。PC全体の消費電力に対して容量に余裕のある電源を選ぶと、録音中のような軽い負荷ではファンが回らないまま動く。電源を買い替える機会があれば、この機能の有無は見ておいてよい項目だと思う。 ハードディスクが残っているなら、録音用のドライブはSSDに替えたい。ハードディスクは円盤の回転音とヘッドが動くときのカリカリという音を出し、振動もケースに伝える。素材の保管用に残すとしても、録音中は使わないようにしておくと安心だ。 最後に、録音を始める前の習慣も効く。ブラウザや同期ソフト、Windowsの更新やファイルの索引付けがバックグラウンドで動くと、CPUの負荷が上がってファンが回り出す。録音の前に不要なソフトを閉じておけば、それだけで静かな時間が長くなる。グラフィックボードが「キーン」という高い電気的な音（コイル鳴き）を出す場合は、描画のフレームレートを抑えると小さくなることが多い。 ファンを大きく、遅く回す。140mmへの交換 左が140mm、右が120mm。羽根が大きいほど、同じ風量を低い回転で出せるPhoto: Bretwa / CC BY-SA 4.0 設定を詰めてもまだ音が気になるなら、ここで初めて部品にお金をかける。ケースファンの交換は、静音ケースへの買い替えよりずっと安く済み、効果も分かりやすい。 考え方は「大きなファンを遅く回す」に尽きる。ファンの騒音は回転数に強く依存していて、ファンの相似則と呼ばれる経験則では、回転数が半分になると騒音はおよそ15dB下がるとされる。羽根の直径が大きいファンは一回転で動かせる空気の量が多いので、同じ風量を低い回転で出せる。80mmや92mmの小型ファンが高い音で唸るのに対して、140mmのファンが低い回転でゆっくり回っていると、音はかなり穏やかになる。ケースが140mmのファンに対応しているなら、120mmから140mmに替えるのがいちばん効率のよい交換だと思う。 選ぶときは、最大回転数よりも「低い回転でどれだけ静かか」と、回転数を細かく制御できるPWM対応かどうかを見るとよい。静音ファンの定番であるNoctuaの第2世代モデル、NF-A14x25 G2 PWMは、メーカー公称で最大1500rpm・24.8dB(A)、120mmのNF-A12x25 G2 PWMは最大1800rpm・22.5dB(A)で、最高回転を抑えた低速版（LS-PWM）も用意されている。be quiet!のSilent Wings 4シリーズやArcticのPシリーズも、140mmで静かに回るモデルとして選択肢に入る。どれを選んでも、先ほどのファンカーブで回転を抑えて使うことが前提になる。 ...

マスターをどのくらいの音量で書き出すかは、毎回少し迷う。配信サービスは再生時に曲ごとの音量をそろえるので、大きく作っても下げられるだけだという話はよく聞く。では、どのくらい下げられて、そのとき何が失われるのか。数字で一度整理しておきたかった。 このメモでは、同じミックスを-8・-11・-14・-16 LUFSの4通りで書き出す前提を置き、その4本を主要な配信サービスの規則に当てはめたときに、再生音量とピークの高さがどうなるかを計算した。耳の印象ではなく、各サービスが公表している基準値と処理の仕組みから出る数字だけを並べている。聴いた感想はいくらでも揺れるが、計算はぶれないので、判断の土台にはこちらのほうが使いやすい。 LUFSとトゥルーピーク、先に押さえる2つの単位 針のメーターは平均的な音量を、LUFSは耳の感じ方に近い音量を測るPhoto: File:Technics RS-612US.jpg: Daniele Napolitano derivative work: Pittigrilli / CC BY-SA 2.0 計算に入る前に、出てくる単位を2つだけ確認しておく。ひとつはLUFSで、国際規格のITU-R BS.1770が定めた「人の耳が感じる音量」の測り方だ。信号をそのまま平均するのではなく、耳が鈍い低域を弱め、敏感な中高域をやや強める補正（Kウェイティング）をかけてから音量を出す。さらに、400ミリ秒ごとの区間で測ったうち、-70 LUFSを下回る無音に近い部分を捨て、残りの平均より10 LU以上小さい部分も捨てる。こうして曲の静かなイントロや曲間に引っぱられないようにした値が、曲全体の「インテグレーテッド・ラウドネス」になる。配信サービスが音量をそろえるときに使っているのは、この値だ。 LUFSは0 dBFS（デジタルで表せる最大値）を基準にした絶対的な値なので、数字はふつうマイナスになる。-8 LUFSの曲は-14 LUFSの曲より6 LU大きい、という言い方をする。LUは差を表す単位で、感覚的にはデシベルと同じように扱ってよい。 もうひとつはトゥルーピーク（dBTP）だ。デジタル音声は飛び飛びのサンプルでできていて、ふつうのピークメーターはそのサンプルの値しか見ていない。ところが再生時に波形を滑らかにつなぎ直すと、サンプルとサンプルのあいだで波形がサンプルの値より高く膨らむことがある。この「サンプル間ピーク」まで推定して測ったのがトゥルーピークで、サンプルのピークが-0.1 dBFSでも、トゥルーピークで測ると0を超えていることは珍しくない。配信サービスはアップロードされた音声をAACやOgg Vorbisなどの圧縮形式に変換するので、その過程でもピークは少し持ち上がる。マスターのトゥルーピークに余裕を残せと言われるのはこのためだ。 4本の書き出しを、こういう条件で用意する 条件をそろえないと比較にならないので、元になるミックスの数値を先に決めておく。リミッターもマキシマイザーも挿していない素のミックスが、インテグレーテッドで-16 LUFS、トゥルーピークが-2 dBTPだったとする。ピークと平均音量の差（PLR、ピーク・トゥ・ラウドネス比）は14 dBで、打ち込みと生楽器が混ざったポップスなら、素の状態としてはありそうな値だと思う。 ここから、マスターのリミッターでゲインを上げて4本を作る。Spotifyは-14 LUFSより大きいマスターについて、トゥルーピークを-2 dBTP以下に収めるよう勧めているので、-11と-8の2本は天井を-2 dBTPにした。 書き出し ゲイン リミッターの天井 ピークの削り量（目安） PLR A：-16 LUFS 0 dB なし 0 dB 14 dB B：-14 LUFS +2 dB -1 dBTP 約1 dB 13 dB C：-11 LUFS +5 dB -2 dBTP 約5 dB 9 dB D：-8 LUFS +8 dB -2 dBTP 約8 dB 6 dB ゲインを8 dB上げてピークを-2 dBTPで止めるということは、本来なら+6 dBTPまで伸びていたピークを8 dBぶん押しつぶすということだ。実際のリミッターは削った分だけ平均音量もわずかに変わるので、ここまできれいな数字にはならない。それでも、どの書き出しでどれだけピークを削ったかの大小関係は崩れないので、比較の材料としてはこれで足りる。 ...

DTMの学び方を調べ始めると、無料の解説動画、数千円の動画講座、月1万円前後のマンツーマンレッスン、十数万円のコース型スクールまで、値段の幅が大きすぎて比べ方が分からなくなる。動画を見れば操作は覚えられるのに、なぜわざわざ人に習う必要があるのか。逆に、独学のまま何年も続けて、結局1曲も仕上がらないまま終わってしまうのはもったいない。 私の考えでは、この境目は「何を学ぶか」ではなく「自分の曲を誰かに聴いてもらう必要があるか」で決まる。DAWの操作や音楽理論の知識は動画と本で十分に身につく。お金を払う価値がはっきり出てくるのは、自分の曲のどこが悪いのかを指摘してもらう部分、つまり添削だ。この記事では、動画で足りる部分と人に見てもらわないと止まる部分を分けたうえで、国内のオンラインスクールの料金体系と添削の有無を軸に、独学との線の引き方を整理していく。 動画で足りるのは「操作」と「知識」 DAWの操作や書き出しの手順は、画面を見ながら覚えるのがいちばん早い。Photo: Marco Raaphorst from The Hague, The Netherlands / CC BY 2.0 DAWの基本操作は、動画との相性がとても良い分野だ。トラックの作り方、ピアノロールへの打ち込み、プラグインの挿し方、オーディオの書き出しといった手順は、画面の動きをそのまま真似できる動画のほうが文字の解説より圧倒的に分かりやすい。国内には無料で読める解説記事や動画が大量にあり、主要なDAWであれば操作で困ったときに答えが見つからないことはまずない。英語圏まで含めれば、ほぼすべての機能に誰かの解説がある。 音楽理論や用語の知識も同じで、コードの仕組み、スケール、リズムの基本、EQやコンプレッサーの各つまみの意味は、本と動画で順番に学べる。海外の動画講座は定額で見放題のサービスが多く、年間で1万円台から2万円台程度の出費で膨大な講座に触れられる。国内の動画講座も、セールの時期を選べば1本数千円で手に入ることが多い。この段階でマンツーマンのレッスンに月1万円以上払うのは、正直に言えばかなり割高だと思う。 ここまでの学習は「正解がある」ことが共通点だ。ボタンを押せば音が出る、設定を変えれば結果が変わる。自分で試して確かめられるので、先生がいなくても前に進める。独学で最初の数か月を過ごすのは、まったく遠回りではない。 独学が止まるのは、自分の曲の何が悪いか分からないとき 夜の自宅スタジオ。ひとりで作業していると、自分の音の欠点にはなかなか気づけない。Photo: Mooganic / CC BY 2.0 独学で手が止まる場面は、だいたい決まっている。ひとつは、ループは作れるのに曲として最後まで仕上がらないこと。もうひとつは、完成させた曲がなんとなく素人っぽく聴こえるのに、どこを直せばいいのか分からないことだ。動画を何本見ても、そこに映っているのは他人の曲であって自分の曲ではない。一般論としての「低音を整理しよう」は理解できても、自分の曲のどの楽器のどの帯域が濁っているのかは、教えてもらわないとなかなか分からない。 この状態になると、新しい動画を探してはまた見るという繰り返しに入りやすい。知識は増えているのに、完成した曲の数は増えない。始めた曲は何十個もあるのに、仕上がったのは1曲か2曲という話は珍しくない。締め切りも、聴いてくれる相手もいないので、少しでも気に入らない部分があると次の新しいアイデアに逃げてしまう。私自身も、ここで足踏みする時間がいちばん長かったと感じている。 ここから先は「正解がひとつではない」領域だ。アレンジの判断、ミックスのバランス、どこで曲を終わらせるかといった決め事は、経験のある人が自分の曲を聴いて「ここが原因」と指摘してくれると一気に進む。お金を払う意味が出てくるのは、まさにこの部分だと思う。逆に言えば、操作や知識の段階でつまずいているうちは、スクールに通っても動画と同じ内容を高い値段で教わることになりやすい。 国内オンラインスクールの料金は3つの型に分かれる 国内のオンラインDTMスクールは、料金の払い方で大きく3つに分けられる。2026年10月時点の各スクールの公式サイトの表記をもとに整理すると、次のようになる(価格やキャンペーンは変わることが多いので、申し込む前に必ず最新の表記を確かめてほしい)。 型 例 料金の目安 特徴 コース一括型 スリープフリークス 初級コース11回で118,800円、ミックス・マスタリング12回で151,800円など 全回マンツーマン、レッスンは録画して見返せる 月謝型 島村楽器 PCミュージックコース 月12,925円＋施設費、入会金あり 45分の個人レッスン、年24回の固定 月謝型 JOY MUSIC SCHOOL 月2回13,980円、月4回24,980円 45分の個人レッスン、楽曲添削あり 1回払い型 ABCミュージックスクール 60分4,818円 Zoomで個人レッスン、録画を無料で受け取れる 1回払い型 笠目音楽教室 月1回5,580円から Zoomなどでの個人レッスン、30分の無料体験あり コース一括型は、総額は大きいが回数と内容が最初から決まっているので、ゴールまでの道筋が見えやすい。月謝型は、毎月決まった回数のレッスンが入るぶん、強制的に曲を進める締め切りができるのが利点だ。1回払い型は、必要なときにだけ予約できるので、独学をベースにしながら行き詰まったところだけ相談する使い方に向いている。 どの型でも、オンラインのレッスンはZoomなどの画面共有を使い、講師が自分のDAWの画面を見ながら説明してくれる形が主流になっている。録画を残してくれるスクールなら、レッスンの後に手元で繰り返し確認できるので、1回あたりの価値が大きく変わる。 比べるべきは値段より「添削があるか」と「録画が残るか」 スクールを選ぶとき、つい月謝の安さで比べたくなるが、私は値段より先に2つの点を確認したほうがいいと考えている。ひとつは、自分が作った曲を事前に提出して、講師に聴いてもらう仕組みがあるか。もうひとつは、レッスンの録画やメモが残るかどうかだ。 添削の仕組みがあるスクールでは、レッスンの時間を「自分の曲のどこを直すか」に使える。逆に、その場で操作を教わるだけのレッスンだと、内容が動画講座とあまり変わらなくなってしまう。同じ月1万円でも、毎回自分の曲を聴いてもらえるのか、決まった教材を順番にこなすのかで、得られるものはまったく違う。体験レッスンの段階で「自分の曲を持ち込んで聴いてもらえるか」を聞いてみると、そのスクールの性格がよく分かる。 録画が残るかどうかも、思っている以上に大事だ。ミックスの指摘は、その場では分かったつもりになっても、翌日には細かい数値や手順を忘れてしまう。録画があれば、自分の画面で同じ操作をなぞりながら確認できる。講師との相性も見逃せない。ジャンルの得意不得意は講師によって大きく違うので、自分の作りたい音楽を普段から手がけている人に当たるかどうかで満足度は変わる。多くのスクールに無料か低額の体験レッスンがあるので、契約の前にここを確かめておきたい。 海外では「動画の定額」と「単発の添削」を組み合わせる 機材の前で説明を受ける見学者。人から直接教わると、手順の理由まで伝わりやすい。Photo: W.carter / CC BY-SA 4.0 英語圏の音楽制作の学び方を見ると、知識と添削を分けて買う考え方がはっきりしている。大学レベルの講座をオンラインで無料聴講できる仕組みがあり、動画と読み物は無料で、課題の採点と修了証が欲しい人だけが1講座あたり数十ドルを払う、という形が定着している。大学のオンライン課程は、講師が課題に目を通してくれる代わりに、修了証の取得に数千ドル規模の費用がかかる。知識は安く、人の時間は高い、という値段の付き方がそのまま見える。 ...

宅録の部屋でモニタースピーカーを鳴らすと、ほとんどの場合、スピーカーは机の上に載る。スタンドを立てる床の余裕はなく、背中側はすぐ壁で、目の前にはパソコンの画面と鍵盤がある。音楽を聴くためのブックシェルフ型と違い、モニタースピーカーは1メートルほどの距離で、耳の高さに合わせて正面から聴くことを前提に作られている。それでも、置き場所が机になった時点で、メーカーが想定した鳴り方からは少しずつ外れていく。 いちばん大きく崩れるのが低音だ。5インチ前後のウーファーは、箱に開けた穴(バスレフポート)から空気を出し入れして、口径以上の低音を稼いでいる。この穴が背面にあれば、すぐ後ろの壁で低音が膨らむ。机の天板は音を跳ね返し、中低域にでこぼこを作る。カタログに書かれた周波数特性の数字が同じくらいでも、机に載せた瞬間の低音の聴こえ方は、機種によってかなり違ってくる。 ここでは、宅録の定番と言える5インチ級のモニターを4台、それに机の上での収まりを優先した3インチのモデルを1台加えて、合わせて5台を並べる。音の傾向にも触れるが、軸にするのは低域の出方と、机への置きやすさという2点だ。高音の細かさは店頭でもある程度分かるが、この2点は自分の机に置くまで分かりにくく、買ったあとで困りやすい部分だと思う。 机に置いたとき、低音はどこから崩れるのか ウレタンのインシュレーターに載せたADAM A7。前面下の丸い穴がバスレフポートPhoto: GeschnittenBrot / CC BY-SA 2.0 机の上で低音が崩れる原因は、大きく分けて3つある。ひとつ目は後ろの壁だ。スピーカーの背面と壁の距離が近いと、壁で跳ね返った低音が正面の音と重なり、低い帯域が実際より厚く聴こえる。背面にポートがある機種では、この影響がさらに強く出る。壁から20〜30センチ離せない机では、ミックスの低音を控えめに作りすぎてしまい、ほかの環境で聴くと痩せて聴こえる、という失敗につながりやすい。 ふたつ目は机の天板だ。スピーカーと耳の間に広い天板があると、天板で反射した音が少し遅れて耳に届き、直接音と打ち消し合って、200ヘルツ前後に谷や山ができる。ベースやキックの胴鳴り、男性ボーカルの太さといった、ミックスで判断を迫られる帯域がちょうどこのあたりにある。 みっつ目は振動だ。スピーカーを天板に直接置くと、ウーファーの振動が机に伝わり、机そのものが鳴ってしまう。低音がぼやけるだけでなく、キーボードやマウスを置いた机全体がうなるように響くこともある。スピーカーと机の間にインシュレーターやスタンドを挟み、ツイーターが耳の高さに来るよう少し上を向けるだけで、この3つ目の問題はかなり軽くなる。 最近のモニターには、こうした机や壁の影響を背面のスイッチやDSPで補正する機能が付いている。どの帯域を何デシベル削れるのか、その調整が自分の部屋に合うのかは、機種ごとの差が大きい部分だ。評価の軸は、この考え方にそって5つに整理した。 低域の量感: 机に置いた状態で、どれだけ下の帯域まで量を保てるか 置きやすさ: 奥行きと重さ、ポートの向き、壁との距離の取りやすさ 聴き分け: 中高域の見通しと、音の位置や細部の判断のしやすさ 補正機能: 机や壁の影響を、本体側でどこまで調整できるか 手ごろさ: ペアで買ったときの価格の負担の小ささ Yamaha HS5、白いコーンが鳴らす飾らない中域 HS5の前身にあたるHS50M。白いウーファーのコーンは現行のHS5にも受け継がれているPhoto: Mike Russell / CC BY 2.0 / Amazonで見る → 白いウーファーで一目でそれと分かる、ヤマハのHSシリーズの5インチモデルだ。往年のNS-10Mの白いコーンを思わせる見た目で、宅録の机に置かれているモニターとしては、いまでもいちばんよく見かける1台だと思う。5インチのウーファーと1インチのドームツイーターを、それぞれ45ワットと25ワットのアンプで鳴らすバイアンプ構成で、クロスオーバーは2キロヘルツ。再生帯域は54ヘルツから30キロヘルツ(マイナス10デシベル)とされている。 本体の大きさは幅170ミリ、高さ285ミリ、奥行き222ミリで、重さは5.3キロ。幅が細めなので、ノートパソコンや鍵盤の両脇に置いても圧迫感は少ない。入力はXLRとTRSのバランス入力が1系統ずつで、RCAの入力は持たない。 音の性格は、とにかく中域が飾らない。ボーカルやギター、スネアのアタックがはっきり前に出て、音の重なりやコンプのかかり具合がよく見える。気持ちよく聴かせるためのスピーカーではなく、粗を見つけるための道具として作られているのがよく分かる音だ。一方で、2〜4キロヘルツあたりがやや張り出していて、シンバルやハイハット、歯擦音が明るく聴こえやすい。音量を上げたまま長く作業していると、耳が疲れやすいと感じた。 低音は5台のなかでは控えめで、100ヘルツより下は量が落ちていく。キックの芯は分かるが、サブベースの量の判断は難しい。バスレフポートは背面にあり、壁に近づけると低音が膨らむので、背面のROOM CONTROLスイッチで500ヘルツ以下を0、マイナス2、マイナス4デシベルの3段階で削ることになる。HIGH TRIMスイッチで高域をプラスマイナス2デシベル動かすこともできる。調整はこの2つのスイッチだけなので、机の天板の反射による凹凸までは追い込めない。価格は国内で1台2万円前後からと、5台のなかでも手に取りやすい部類に入る。 低域の量感 2 / 置きやすさ 3 / 聴き分け 4 / 補正機能 3 / 手ごろさ 4 KRK ROKIT 5 G5、前面のスリットが壁の距離を気にさせない 初代のROKIT 5。黄色いウーファーと、前面の下に開いた横長のスリット状のポートは第5世代まで続いているPhoto: TaurusEmerald / CC BY-SA 4.0 / Amazonで見る → 黄色いウーファーで知られるKRKのROKITは、いまは第5世代のG5になっている。G4までの印象が強い人も多いと思うが、型番の末尾がG5に変わった現行モデルでは、ツイーターがシルクドームになり、角の丸い新しい箱に変わった。5インチのウーファーは、ケブラーを織り込んだ黄色いコーン。アンプはウーファー側35ワット、ツイーター側20ワットのバイアンプで、クロスオーバーは2.27キロヘルツ。再生帯域はプラスマイナス3デシベルで54ヘルツから30キロヘルツとされている。 ...

宅録の機材をそろえていくと、ヘッドホンは後回しにされがちだと思う。マイクやオーディオインターフェイスには予算を割くのに、ヘッドホンは手元にあるもので済ませてしまう。けれども、録音からミックスまでを一人でこなす部屋では、スピーカーより長い時間、ヘッドホンで音を聴いていることが多い。ここの選び方を間違えると、録った声にクリックの音が混ざったり、ミックスの低音が他の環境で膨らんだりと、あとから原因の分かりにくい失敗につながる。 さらにややこしいのは、録音とミックスでヘッドホンに求めるものが正反対になることだ。録るときは、音を外に漏らさないことが何より大事になる。混ぜるときは、耳の周りに空気を残して、音の広がりや奥行きを素直に聴けることが大事になる。この二つを1台で両立させるのは、構造的にかなり難しい。 ここでは、録りに強い密閉型を3台、その中間にいるセミオープン型を1台、ミックスで本領を発揮する開放型を1台の、合わせて5台を並べる。音の傾向にも触れるが、主役に据えるのは遮音性と装着感という地味な2つの軸だ。何時間も頭に載せる道具なので、この2つが合わないと、音がどれだけ良くても使わなくなってしまう。 録りとミックスで、ヘッドホンに求めることは逆になる 録音スタジオの壁。マイクケーブルと並んで、録りの最中に演奏者がかけるヘッドホンが掛けてあるPhoto: Jason Meredith / CC BY 2.0 ボーカルやアコースティックギターをコンデンサーマイクで録るとき、演奏者はヘッドホンでクリックと伴奏を聴いている。このとき、ヘッドホンから漏れた音は、すぐ近くにあるマイクにそのまま入ってしまう。コンデンサーマイクは感度が高いので、小さな漏れでも拾う。歌が止まった瞬間にクリックの「チッチッ」という音が聞こえたり、伴奏がうっすら被って、あとで差し替えたときに古い伴奏の残り香が出てきたりする。録りのヘッドホンに最初に求められるのは、この漏れの少なさだ。 ヘッドホンの背面をふさいだものが密閉型、網や穴で外に開いているものが開放型、その中間がセミオープン型と呼ばれる。密閉型は外へ漏らさず、外の音も遮る。そのかわり耳の周りの空気が閉じ込められるので、低音がこもりやすく、音が頭の内側で鳴っているように聞こえやすい。開放型はその逆で、音が自然に抜けていき、左右と奥行きの見通しがよくなる。ただし音はほぼ素通しで外に出ていくので、マイクの前ではまず使えない。 ミックスでは、この見通しのよさが効いてくる。リバーブの残り方や、ベースとキックの重なり方、パンを振った楽器の位置といった判断は、密閉型だと低音の膨らみや閉塞感に引っ張られてずれやすい。宅録の部屋はスピーカーの鳴りが整っていないことが多いので、なおさらヘッドホンの判断に頼る割合が増える。 もうひとつ見落とされやすいのが、装着感の向きも作業によって変わることだ。録りの時間は1曲あたり数十分から長くて1〜2時間で、そのあいだ演奏者は体を動かす。ずれずに密着してくれることが大事になる。ミックスは同じ曲を何時間も聴き続ける作業なので、締めつけの弱さ、イヤーパッドの蒸れにくさ、重さが効いてくる。合皮のイヤーパッドは密着がよく遮音に向くが、長時間では汗ばみやすい。ベロアのパッドは蒸れにくいが、隙間ができやすいぶん遮音は落ちる。 評価の軸は、この考え方にそって5つに整理した。 遮音性: 外への音漏れの少なさと、外の音の遮りやすさ。録りでの使いやすさにほぼ直結する 装着感: 重さ、側圧、イヤーパッドの蒸れにくさ。長時間の作業でどれだけ疲れにくいか 聴き分け: 中域の見通しと、ミックスで判断を下すときの素直さ 鳴らしやすさ: オーディオインターフェイスのヘッドホン端子だけで十分な音量が取れるか 保守性: ケーブルやイヤーパッドを交換できるか、折りたためるか、長く使い続けられるか Audio-Technica ATH-M50x、取り回しのよさで選ぶ密閉型 ATH-M50x。ハウジングが90度回転し、片耳だけ外して使いやすいPhoto: Jose C Silva / CC BY 2.0 / Amazonで見る → 2014年に登場して以来、宅録の最初の1台としてよく名前が挙がる密閉型だ。45mmのドライバーにインピーダンス38Ωで、ノートパソコンや小さなオーディオインターフェイスにつないでも音量に困ることはまずない。重さはケーブルを除いて285g。ケーブルは着脱式で、カールコード、3mのストレートコード、1.2mのストレートコードの3本が付いてくる。作業机ではカールコード、持ち出すときは短いコードと使い分けられるのは便利だと思う。 ハウジングは90度回転し、折りたたむこともできる。片耳だけ外して、自分の生声とヘッドホンの返しを聴き比べながら歌う使い方がしやすいのは、録りの場面でかなりありがたい。イヤーパッドは交換式で、合皮の密着がよいぶん遮音もしっかりしている。中高域の漏れが少なく、クリックがマイクに乗りにくい部類に入る。 音は低音と高音がはっきり前に出る、元気な味付けだ。演奏者がノリよく弾いたり歌ったりするための返しとしては、この派手さがむしろ合っている。一方でミックスの判断にそのまま使うと、低域を控えめに作りすぎたり、高域のきつさを見逃したりしやすい。中域が少し奥に下がって聞こえるので、ボーカルの音量を決めるときには注意がいる。 装着感は、側圧がやや強めで、新品のうちは頭を挟まれている感覚がはっきりある。そのぶん動いてもずれないので、ギターを弾きながら録るときには安心感がある。ただ、合皮のパッドは2時間を超えると耳の周りが汗ばんでくる。長いミックス作業の相棒としては少し重たいと感じた。価格は2万円前後で、着脱ケーブルと交換パッドで長く使えることを考えると、手に取りやすい1台だと思う。 遮音性 4 / 装着感 3 / 聴き分け 3 / 鳴らしやすさ 5 / 保守性 5 Sony MDR-7506、35年変わらない録りの道具 MDR-7506。カールコードは本体に直付けで、先端は金メッキのプラグPhoto: Ashley Pomeroy / CC BY 4.0 / Amazonで見る → 1991年の発売から、基本の設計をほとんど変えずに作り続けられている密閉型だ。放送局や映像の現場、海外の録音スタジオで長く使われてきた。日本のスタジオで定番になっているMDR-CD900STと見た目はよく似ているが、こちらは海外向けに作られたモデルで、音の傾向も少し違う。CD900STより低音に量感があり、聴き疲れしにくい方向に寄っている。 ...

耳コピを始めようとすると、最初に「音感がないから無理だ」という壁に当たる。好きな曲のベースラインを拾おうとしても、どの音なのか見当がつかない。鍵盤を一つずつ押して探すうちに、さっき聴いたはずのフレーズが頭から消えている。こういう経験を何度か繰り返すと、耳コピは生まれつき耳のいい人だけの技術に見えてくる。 ただ、耳コピに必要なのは、音名をいきなり言い当てる能力ではない。基準になる音から「どれだけ離れているか」を聴き取る力で、これは練習で伸びる。一方で、1週間で届く範囲には限りがあるのも確かだ。この記事では、1週間の反復で変わる部分と変わらない部分を切り分けたうえで、その1週間をどう使うかを順に書いていく。 1週間で変わるのは速さで、届く範囲はまだ広がらない 耳で拾った音を確かめる場所として、鍵盤は手元に一つあると話が早いPhoto: zaui/Scott Catron / CC BY-SA 2.0 聴覚の訓練については、音の高さの聞き分けを繰り返し練習すると、練習した課題そのものの成績は数日のうちに上がり、練習していない似た課題に効果が広がるのはそれより遅れて来る、という傾向がはっきりしている。耳コピに置き換えると、毎日練習している音程やフレーズの型は、1週間でかなり速く答えられるようになる。ところが、練習していない音程や、聴き慣れない和音の響きまで同じように分かるようになるには、もっと時間がかかる。 私はこの差を「速さ」と「範囲」と呼んで分けて考えている。1週間で伸びるのは速さのほうだ。同じ長3度を聴いたときに迷う時間が短くなり、ベースの動きを鍵盤で探すときの空振りが減る。ここは数日で手応えが出るので、続ける動機にもなる。 範囲のほうは、1週間ではほとんど広がらない。たとえば長3度と短3度の区別ができるようになっても、それがそのままセブンスやテンションの聞き分けにつながるわけではない。速いパッセージも、1週間後もまだ団子のように聴こえるはずだ。ここで「伸びていない」と判断してやめてしまうのが、いちばんもったいないと思う。範囲は週単位ではなく月単位で広がるものだと最初から決めておくと、気持ちが楽になる。 絶対音感についても触れておく。大人になってから音名を基準なしに当てられるようになるかを確かめた研究では、8週間にわたって合計で十数時間から二十数時間の訓練を続けた結果、6人のうち2人が、絶対音感を持つ人と見分けがつかない成績に届いたと報告されている。届いた人がいるという点は興味深いが、裏を返せば、2か月かけても大半の人は届かなかったということでもある。1週間の練習でこれを目標に置く理由はない。耳コピに必要なのは、次の節で書く相対音感のほうだ。 絶対音感ではなく、主音からの距離で聴く 19世紀の英国で広まった階名の手振り。どの調でも主音を「ド」と呼ぶ移動ドの考え方を、手の形で覚えさせたImage: John Curwen (1816-1880) / Public domain 相対音感は、基準になる音と比べて、もう一つの音がどれだけ離れているかを聴き取る力のことだ。耳コピで頼りになるのはこちらで、しかも大人になってからでも練習で身につく。 ここで一つ工夫したいのが、音と音の距離を「2音の間隔」として覚えるより、「その曲の主音から見て何番目の音か」として覚えるやり方だ。いわゆる移動ドの考え方で、ハ長調ならCをド、ヘ長調ならFをドと呼ぶ。どの調でも、主音に戻ったときの落ち着き方や、7番目の音が主音へ引っ張られる感じは同じように聴こえる。この「役割の響き」を覚えておくと、調が変わっても同じ耳がそのまま使える。 音程を一つずつ当てる練習は、最初はとっつきやすい。長2度、長3度、完全5度と順番に覚えていけば、問題集のように点数が上がるからだ。ただ、実際の曲では音が連続して流れていくので、2音ずつ間隔を計算していると、3音目あたりで最初の音を忘れてしまう。主音からの位置で聴く方法なら、一つひとつの音を同じ基準で測れるので、メロディが長くなっても崩れにくい。 このやり方は、練習の最初の手順もはっきりさせてくれる。曲を流しながら、いちばん落ち着く音、つまり「ここで終われる」と感じる音を声で探す。その音を鍵盤で確かめたら、それがドだ。最初の数日はこれだけで十分練習になる。ドが見つかれば、使われている音の候補がほぼ7つに絞られるので、あとの探索がずっと短くなる。 7日間の割り振り 1日の練習時間は15分から20分ほどで足りると考えている。長くやるより、毎日同じ時刻に続けるほうが効く。聴覚の訓練には、1日のうちに一定量をこなせばそれ以上増やしても伸びが変わらない、という性質もあるので、週末にまとめて2時間やる必要はない。私なら次のように割り振る。 1日目と2日目は、主音を探す練習と、アプリでの音程練習を半分ずつ。音程は長3度・完全5度・オクターブのように響きのはっきりしたものから始める。知っている曲の出だしを手がかりにして覚えるのも有効だ。 3日目と4日目は、移動ドでの聞き分けに切り替える。主音を鳴らしたあとに出てくる1音が、ド・ミ・ソのどれかを答えるところから始めて、レやラを足していく。ここで正解率が急に上がるのを感じられると思う。 5日目から7日目は、短いベースラインを1本だけ選んで耳コピする。8小節もあれば十分で、毎日同じ曲を続けてよい。7日目には、1日目に同じフレーズを聴いたときと比べて、探す時間がどれだけ縮んだかを振り返る。範囲はまだ狭くても、速さの変化は分かるはずだ。 アプリはここで記憶の受け皿として使う。無料で始めるならブラウザで動くmusictheory.netの練習問題が手軽で、音程・和音・音階の聞き分けを設定どおりに出題してくれる。teoria.comも同じく無料で、旋律の書き取りまで用意されている。スマートフォンなら、主音との関係で音を聴き分けるFunctional Ear Trainerが、移動ドの練習にそのまま合っている。ゲームのように段階を踏みたいならComplete Ear Trainer、体系的なコースまで欲しいならEarMasterがある。1週間の段階では一つに絞ったほうがよく、私は移動ドの練習ができるものを一つだけ入れておくのが無難だと思う。 耳コピはベースラインから始める ベースは1度に1音しか鳴らないことが多く、和音の土台も教えてくれるPhoto: Dejan Krsmanovic / CC BY 2.0 耳コピをどのパートから始めるかで、最初の1週間の手応えは大きく変わる。私はベースラインから始めるのをすすめたい。理由は三つある。 一つ目は、ベースはたいてい1度に1音しか鳴らさないことだ。和音のように複数の音を同時に聞き分ける必要がないので、相対音感の練習がそのまま生きる。二つ目は、ベースの音がその場の和音の根音であることが多い点だ。ベースラインを拾えば、コード進行の骨組みもかなり見えてくる。三つ目は、ポップスやロックでは同じ動きが何度も繰り返されることが多く、短いフレーズを一度拾えば曲全体に応用できることだ。 一方で、低い音は小さなスピーカーでは聴き取りにくい。ノートパソコンの内蔵スピーカーでは、ベースの音程そのものがほとんど出ていないこともある。ヘッドホンか、低音の出るスピーカーで聴くのが前提になる。 手順は次のようにしている。まず曲を2回か3回、何もせずに通して聴く。次に主音を声で探して鍵盤で確かめる。それから、拾いたいフレーズを4秒から5秒の長さで区切り、ループさせる。音を探すときは、いきなり鍵盤で探さずに、まず声に出して歌う。歌えた音は頭の中に残るので、鍵盤で探す間に消えにくい。歌えたら、主音から何番目の音かを考え、その候補から鍵盤で確かめる。1フレーズは3音から5音程度に収め、拾えたらその場で書き留める。 ベースが聴き取りにくい曲なら、メロディを先に拾ってもかまわない。メロディは高い音域にあって目立つので、ベースの次に聴き分けやすいパートだ。和音の中の内声は最後に回す。最初の1週間でここまで手を広げる必要はないと思う。 速度を落とせる道具を一つだけ持つ ベースの音程まで聴き取るには、低音の出るヘッドホンかスピーカーが前提になるPhoto: Jason Meredith / CC BY 2.0 耳コピの道具として、音の高さを変えずに再生速度を落とせるソフトは一つ持っておきたい。1週間目は、ほとんどのフレーズを原曲の50%から75%くらいの速さに落として聴くことになるからだ。速いフレーズはそのままでは音がつながって聴こえるが、速度を落とすと一つひとつの音の切れ目が見えてくる。 定番はパソコン用のTranscribe!で、区間のループ、高さを変えない減速、波形の表示がまとまっている。Macやスマートフォン中心ならAnytuneやAmazing Slow Downerも同じ目的で使える。最近は、曲をボーカル・ドラム・ベースなどに分けて再生できるMoisesのようなアプリもあり、ベースだけを大きくして聴くこともできる。これは便利だが、和音の判定まで自動で表示されるので、練習の段階では答えを先に見てしまわないよう、表示を隠して使うほうがよいと思う。 DAWを使っているなら、手持ちのDAWでも代わりになる。多くのDAWには、ループ再生と、高さを保ったまま速度を変える機能がある。新しいソフトを覚える時間を練習に回せるので、DAWに慣れている人はまずそちらで試すとよい。 道具を増やすと、それぞれの使い方を覚えるだけで1週間が終わってしまう。減速とループができるものを一つ選び、残りの時間は耳を使うことに回すのが、私はいちばん効率がよいと考えている。 1週間後に残るもの、残らないもの 1週間続けた時点で、手元に残るものは意外と多い。曲を聴いて主音を見つけるまでの時間は、初日と比べてずいぶん縮んでいるはずだ。響きのはっきりした音程なら迷わずに答えられるようになり、短いベースラインなら、減速とループを使って最後まで拾えるようになっている。 ...

音楽理論の独学は、最初の一冊で止まりやすい。 意味そのものは分かる。 でも次へ進めない。 語彙は増えるのに、和音の機能は頭に入らない。 これは努力不足ではない。 最初から最後まで通読する、という目的そのものが途中で崩れるからだ。 三か月で一周させるには、目的を置き換える。 本を一冊だけ選ぶ。ただし通読するのをやめる。 必要なページだけ開き、残りは目次として使う。 記憶の判定はアプリに任せる。 記号を距離に変えるのは鍵盤の仕事。 こうすると三つの役割が分かれる。 本は説明のソース。わからないときの答え合わせ。 アプリは記憶の受け皿。判定と反復を担当する。 鍵盤は記号を距離に変える層。 通読をやめると、三か月で配れるようになる 三か月の割り方で私が迷ったのは、毎日何分やるかではなかった。 それは最後に述べる。 先に決めるべきは、途中で主教材を入れ替えるかどうかだ。 三か月とも同じ本を使うと、途中で息切れが起きる。 そのときに、本が厚すぎると感じる。 でも本を変えても同じところで止まるなら、それは本のせいではない。 やろうとしていることが通読だからです。 ここが今回の配分の出発点になる。 本の難易度は問題ではない。 最後まで読む、という目標が問題だ。 鍵盤は記号を距離に変える層。指が動く先がないと、本は読めても音にならないPhoto: Morn / CC BY-SA 4.0 三か月を順に割るとき、書もアプリも一つに固定する。 変えるのは三か月目の主教材だけ。 これが配分の要点だ。 第1か月：音程と度数 音程を飛ばして和音へ進むことがある。 結果は単純で、和音が聞き取れなくなる。 理由は和音の名称が、音程だけでは決まらないからだ。 同じ三音でも、調が変われば別の名前になる。 一か月目は音程と度数を両方やる。 順序はこうする。 先に指で位置を覚えて、そのあと本を読む。 逆順だと、読んでいても指が動く先を知らない。 鍵盤での練習はこうする。 すべての白鍵に指を置き、音名を対応づける。 次に黒鍵を加える。 音程は、指を何個飛ばすかで分かる。 度数も同じ。基音から指がどこにあるか、で決まる。 度数とは記号ではなく、鍵と鍵の距離のことPhoto: Gabriel Barletta / CC0 耳の訓練は musictheory.net だけで足りる。 音程、音階、和音、鍵盤の四つに分かれていて、ブラウザだけで動く。 繰り返しの回数に制限がない。アカウントも要らない。 ただ、このサイトは孤立した識別だけだ。 基音から何番目かを問われることはない。 一か月目の主題は度数なので、ここに隙間が残る。 その隙間を埋めるのが Functional Ear Trainer だ。 先に基音を鳴らし、次の音が基音の何番目かを問う。 度数という概念をそのまま問えるので、要る場所に合っている。 文字に頼らない訓練なので、画面が日本語でなくても使える。 iPhone と iPad と Mac と Android に出ている。 ...